Тест 1. Живопись XVII века

Да! Это Луи Ленен и его «Счастливое семейство» 1642 года. В 1642 году счастливая семья выглядела вот так.

Ну конечно же это Матье Ленен и его «Музыканты» 1677 года.

Матье был последним из пяти сыновей зажиточного крестьянина и винодела Исаака Ленена. Вместе со своими братьями несколько лет обучался живописи, затем отправился в Париж, где с братьями-художниками жил в аббатстве Сен-Жермен-де-Пре.

Вы справились! Это Клод Лоррен, «Отплытие царицы Савской» 1648 года. У него вообще много отплытий.

Клод Лоррен —  (1600, Шамань, — 23 ноября 1682, Рим) — французский живописец и гравёр, один из величайших мастеров классического пейзажа.

Это именно Клод Лоррен и его «Римский пейзаж» 1639 года. Сейчас живет в Метрополитен-музее Нью-Йорка.

Кто же не знает Пуссена и его «Et in Arcadia Ego» ? Точно не вы!
Вторая версия картины 1650 года из Лувра.

Само собой, это Пуссен и «Великодушие Сципиона»  1640 года из ГМИИ.

Картина относится к зрелому периоду творчества мастера, где четко выражены принципы классицизма. Им отвечает строгая ясная композиция и само содержание, прославляющее победу долга над личным чувством. Сюжет заимствован у римского историка Тита Ливия. Полководец Сципион Старший прославившийся во время войн Рима с Карфагеном, возвращает вражескому военачальнику Аллуцию его невесту Лукрецию, захваченную Сципионом во время взятия города вместе с военной добычей.

Да вы просто знаток! Действительно, это портрет Людовика XIV работы Пьера Миньяра 1673 года.

Именно Лебрен! Это «Вступление Александра в Вавилон» 1664 года.

Лично руководя и Академией, и промышленными цехами, Лебрён непосредственно повлиял на вкусы и мировоззрение целого поколения художников, став важнейшей фигурой «стиля Людовика XIV». Сам король разделял и поощрял искусство Лебрена, в особенности после триумфальных торжеств 1660 года и завершения интерьеров Во-Ле-Виконт в 1661. В том же году он заказал Лебрёну серию полотен из истории Александра Македонского; первое же из них принесло художнику дворянство и титул «Первого королевского живописца» (Premier Peintre du Roi), а также пожизненную пенсию.

А сотворил ее конечно же Аннибале Карраччи ок. 1600 года в качестве фрески «Вакх и Ариадна» для Палаццо Фарнезе.

Аннибале Карраччи  (1560, Болонья — 1609, Рим) — итальянский живописец и гравёр болонской школы, брат художника Агостино Карраччи.

Вы правы, это действительно Агостино Каррачи — «Причащение св. Иеронима»  1591-97 годов, фреска из палаццо Фарнезе.

Его немногочисленные живописные произведения (лучшие из них — фрески в Палаццо Фарнезе в Риме, выполненные вместе с братом Аннибале, «Причащение св. Иеронима» и «Вознесение Богородицы» в Болонской пинакотеке) отличаются правильностью рисунка и светлым, весёлым колоритом.

Да, это именно Караваджо и «Взятие Христа под стражу» или «Поцелуй Иуды»1602 года.

«Поцелуй Иуды» — картина работы Караваджо, оригинал которой находится в Дублине, а повторение было предметом громкой кражи из музея Одессы. Сюжет картины основан на сообщениях евангелистов о последних днях земной жизни Иисуса Христа. Иуда Искариот, один из учеников Иисуса, предал его, раскрыв место пребывания и указав на него страже, когда Христос выходил из Гефсиманского сада.

Да, это Караваджо! А как вы угадали?

«Главное достоинство картины — мастерски воссозданная световоздушная среда, создающая атмосферу поэтичности и покоя, дополняемую скромным пейзажем, написанным под явным впечатлением воспоминаний о родной Ломбардии с её тростником, осокой у водной глади, серебристыми тополями на фоне холмистой гряды и вечереющего сизого неба.»

Это действительно Караваджо и «Призвание апостола Матфея» 1600 года. Вы знали.

Караваджо изобразил жанровую сцену с участием мытаря Левия, старика и трёх охранников, продемонстрировав своё искусство в применении кьяроскуро. Художник выстроил эмоционально сильную драматургию великого события — вторжения света Истины в самые низы жизни. «Погребной свет», проникающий в тёмное помещение вслед за вошедшими туда Христом и св. Петром, высвечивает фигуры собравшихся вокруг стола людей и одновременно подчеркивает чудесный характер явления Христа и св. Петра, его реальность и одновременно ирреальность, выхватывая из темноты лишь часть профиля Иисуса, тонкую кисть его протянутой руки, жёлтый плащ св. Петра, в то время как фигуры их смутно проступают из тени. Христос призывает Левия жестом, похожим на жест Саваофа на «Сотворении Адама» Микеланджело. Рентгенограмма показала, что художник много раз переделывал картину, первоначально Христос находился в центре.

Конечно же это Караваджо и «Лютнист» из Эрмитажа.

«Лютнист» — одна из ранних картин Караваджо, для которых нередко позировал его любимец Марио Миннити. В работах этого цикла любовное чувство символически передаётся через образы плодов (как бы приглашающих зрителя насладиться их вкусом) и музыкальных инструментов (музыка как символ мимолётного чувственного наслаждения). Сам художник считал «Лютниста» наиболее удавшимся ему фрагментом живописи.

На эрмитажном варианте и картине из Бадминтон-хаус на раскрытой странице партитуры легко читаются ноты басовой партии мадригала Якоба Аркадельта Voi sapete ch’io vi amo («Вы знаете, что я люблю вас»).

Да вы гений! Это и правда Гверчино, Ecce Homo или «Увенчание Христа терновым венцом» 1647 года.

Гверчино (Гуэрчино, итал. Guercino — косоглазый) (наст. имя Джованни Франческо Барбьери) (1591, Феррара — 1666, Болонья) — итальянский живописец болонской школы.

В центре картины изображён Христос. Палач в рыцарских доспехах только что увенчал его голову терновым венцом, и Христос почувствовал боль, хотя отчаянно молился. Фигура в арабской одежде (Иосиф Аримафейский?) и рыцарские доспехи палача резко контрастируют с теплым, обнаженным телом Бога. Эти детали вырисованы Гверчино виртуозно, воодушевленно и так хорошо, что нет сомнений в их материальности. Среди картин Гверчино — эта в числе лучших.

Вы знали, вы знали. Это действительно Хусепе де Рибера и одна из самых его известных картин «Святая Инесса и ангел, укрывающий её покрывалом» 1641 года.

По преданию, юная христианка Инесса должна была быть выставлена обнажённой перед толпой за отказ поклоняться языческим богам, но произошло чудо: внезапно выросшие волосы скрыли её наготу, а сошедший с небес ангел накинул на неё покрывало.

У Риберы образ Инессы, её тонкая фигура подростка, исполненное прелести лицо с большими сияющими глазами, волнистые пряди волос, кисти рук, прозрачно-розовые от пронизывающего света — воплощение чистой, трогательной и светлой юности.

Вы определенно искусствовед! Это действительно Хусепе Рибера, «Прометей», ок. 1630 года.

Натуралистичность полотен Риберы сделала его героем жутких легенд и сплетен. Многие годы он делал зарисовки во время допросов в тюрьмах, наблюдая, как ведут себя люди под пытками. В творческом наследии Риберы преобладают мифологические и религиозные темы. Его влекли античная история, события Ветхого и Нового Заветов, сцены из жизни святых. Сохранилось также несколько портретов.

Конечно же Франсиско де Сурбаран, картина «Христос на кресте» 1627 года. Вы, батенька, эстет.

Франсиско де Сурбаран ( 1598, Нельзя так с художниками!Эстремадура — 27 августа 1664, Мадрид) — испанский художник, представитель севильской школы живописи.

Конечно Сурбаран! Вы правы!

«Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой» — картина, написанная в 1633 году испанским художником Франсиско де Сурбараном (1598—1664). Принадлежит Музею Нортона Саймона в Пасадине (Калифорния, США). Размер картины — 62,2 × 109,5 см. Также употребляется название «Натюрморт с апельсинами и лимонами». Картина была написана в 1633 году. Она считается единственным натюрмортом Франсиско де Сурбарана, который был подписан и датирован самим художником.

Три группы предметов — жёлтые цитроны на тарелке, оранжевые апельсины в корзинке, а также чашка на серебряной тарелке с лежащей розой, — ярко выделяются на тёмно-коричневой поверхности стола и чёрном фоне позади него. Считается, что изображённые предметы являются религиозной аллегорией Троицы. Кроме этого, апельсины с цветками и чашка с водой ассоциируются с чистотой Девы Марии, а роза без шипов — с непорочным зачатием

Именно, именно Сурбаран! Вы просто провидец!

«Апофеоз Фомы Аквинского» – огромная, почти пятиметровая картина, написанная Сурбараном в 1631-м году для Коллегии св. Фомы в Севилье. Сейчас представлена в севильском Музее изящных искусств.
Есть некоторый парадокс восприятия: для нас Сурбаран ассоциируется в первую очередь с практически монохромными одиночными композициями, скупыми и строгими, с резкой светотенью. Но современники художника его величайшей работой считали как раз «Апофеоз Фомы Аквинского» – не вполне по-сурбарановски многофигурный и многоцветный.

Композиция с её разделением на два яруса – схематична, но такая «двухчастность» земли и неба была в искусстве времен Сурбарана традиционной. К тому же Сурбарану удалось идеально сбалансировать монументальность форм и внимание к мельчайшим подробностям.

По всей вероятности, тему картины Сурбарану внушили заказчики. «Апофеоз Фомы Аквинского» посвящён торжественному основанию Коллегии св. Фомы, которое произошло в 1517 году. На покрытом пурпурным бархатом столе внизу картины лежит Акт основания Коллегии. В нижнем ярусе мы можем видеть её учредителей – императора Карла V и кардинала Диего де Деса. За спиной короля стоят коленопреклоненные знатные граждане Севильи, а за спиной кардинала – монахи-доминиканцы. Что касается верхнего яруса, то в нём сосредоточены все те, кто осуществляет, так сказать, небесный патронат над Коллегией. На облаке справа – Христос и Дева Мария. Напротив них, слева, – Бог Отец, который, оживлённо жестикулируя, беседует со святым Домиником. Голубь, осеняющий крыльями голову св.Фомы (в центре композиции), традиционно олицетворяет Дух Божий, или, согласно менее распространённой версии, — божественное вдохновение, снизошедшее на Аквината.

Вы правы, это Жорж де ла Тур,  «Женщина, ловящая блоху».

«Женщина, ловящая блоху», представленная в Историческом музее города Нанси (административного центра Лотарингии – родины Латура), была обнаружена и атрибутирована сравнительно недавно и сразу же породила дискуссии. Спор касался в первую очередь содержания: чем именно занята полуобнажённая малопривлекательная женщина на картине? И как следует понимать смысл этого неожиданного и шокирующего своей приземлённостью живописного сюжета?

Удивительна здесь не блоха: французская живопись того времени подобных сюжетов избегала, но их вполне можно встретить в живописи фламандской, с которой Латур был знаком. Не был редкостью в XVII веке подобный сюжет и у испанцев – вспомнить хотя бы «Вшивого» или «Туалет» Бартоломе Эстебана Мурильо. Удивительнее другое: «Женщина, ловящая блоху» – единственная из известных картин Латура, где дана обнажённая натура. Правда, вполне допустима мысль, что прочие работы художника, изображающие неприкрытую человеческую плоть, до нас не дошли: сгорели в большом Люневильском пожаре (о нём можно узнать из биографии Латура) или же попросту затерялись. Но всё равно остаётся вопрос, почему эта, по сути, бытовая сцена производит столь мрачное впечатление? Ведь не преувеличивая можно сказать: все использованные выразительные средства направлены именно на создание гнетущей атмосферы. И сама картина в качестве первой непосредственной реакции не вызывает ничего, кроме омерзения и желания немедленно отстраниться от происходящего.

Да. Это именно Жорж Латур, «Поклонение пастухов», ок 1644 года, Лувр.

Творчество мастера, забытое после его кончины, было заново открыто только в 1940-х годах; первая публикация о нём вышла в 1915 году.

Для картин Жоржа Дюмениля де Латура характерна геометрически строгая композиция и напряжённость религиозного чувства. Картины Латура обычно представляют собой освещённые пламенем свечи ночные сцены, написанные в манере Караваджо. Художник любил изображать библейские персонажи в обличье нищих и крестьян, создавать композиции, персонажи которых освещались единственным источником — свечой.

Бартоломе Эстебан Мурильо (1617,Севилья —  1682, там же) — ведущий испанский живописец «золотого века», глава севильской школы, любил не только собачек. А это — картина «Мальчик с собакой».

Простого кроя темная куртка, желтый жилет и белая сорочка – вот традиционный наряд простолюдинов. В руках у мальчика корзина с глиняной посудой, а в глазах – такое счастье, которое бывает только у детей. Он улыбается открыто и источает столько положительной энергии что вы невольно улыбнетесь сами. Умиляет собака, которой герой картины предлагает угощение – она тоже наполнена радостью от встречи со своим хозяином и преданно на него смотрит. Животное это не породистое, а самое обычное, которые сотнями бегали по улицам Севильи, но тем оно и привлекает зрителей.

Несмотря на плутоватые глаза мальчика, он находит время для собаки, своего друга. Он полон жизни, движения и счастья, а Мурильо на этой картине продемонстрировал потрясающий колористический баланс. Голубой цвет неба и желтый жилет мальчика очень гармонично сочетаются с глубоким коричневым цветом куртки, подчеркнутой перламутром кожи. Сам художник любуется мальчиком, и хоть краски использованы несколько приглушенных тонов, они создают впечатление теплоты чувств и любви к детям.

Вы наверное дружили с автором — с Бартоломе Эстебаном Мурильо, автором картины «Святой Исидор Севильский».

Вы точно бывали в Испании в XVII веке, если сразу угадали, что это картина «Святое семейство с Иоанном Крестителем» Бартоломе Эстебана Мурильо 1670 года, одно из лучших его созданий в колоритном отношении.

Вы правы! Их конечно много кто рисовал, но здесь отличился не кто иной, как Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес (1599 — 1660), у которого Бог войны Марс в 1640 году просто обязан быть с усами.

Картина «Марс» была написана Веласкесом специально для Торре де ла Парада. Рядом с работами фламандских художников «Марс» Веласкеса буквально ошеломляет своей необычной трактовкой античного образа. Карл Юсти: «Марса художник начал писать тогда, когда ему попался на глаза человек, который показался ему подходящим для того , чтобы поведать об этом греческом «человекоубийце» . В качестве модели художник выбирает немолодого крепко сложенного натурщика, на голову ему он надевает пышный , сверкающий позолотой шлем, а у ног помещает другие атрибуты воинского мастерства. Голубая драпировка и красный плащ лишь слегка прикрывают обнажённое тело , написанное с необыкновенной достоверностью. Затененное шлемом лицо с усталыми глазами и лихие усы придают фигуре бога войны и возлюбленного Венеры характер почти комический.

Вы просто гений! Конечно же это Веласкес и его «Венера с зеркалом»  1644-1648 годов. Вы, наверное, дальний родственник Веласкеса.

Сюжет этого полотна навеян венецианской живописью эпохи Возрождения. Похожие картины можно встретить у Джорджоне («Спящая Венера») и Тициана («Венера Урбинская»). В своей работе Веласкес объединил две устоявшиеся позы, в которых изображалась Венера — полулежащая и с зеркалом.

Предположительно, Веласкес написал «Венеру с зеркалом» во время своего визита в Италию, так как инквизиция в Испании запрещала писать обнажённое женское тело. Также влиянием целомудренного испанского мировоззрения считается то, что Венера изображена, в отличие от итальянских «Венер», лежащей спиной к зрителю.

«Венера с зеркалом» — единственное сохранившееся изображение обнажённого женского тела кисти Веласкеса. В конце XVIII века висело во дворце герцогини Альбы подле вдохновлённой ею «Махи обнажённой». После смерти герцогини куплено Годоем, в 1813 г. перевезено в Йоркшир.

Вы угадали, так считал Веласкес, и его «Водонос из Севильи» 1621 года с нм скорее всего полностью согласен.

Картина «Севильский водонос» относится к раннему, севильскому, периоду, когда молодой Веласкес увлечённо писал бодегоны – бытовые зарисовки, действие которых происходит в харчевне или в трактире, в винном погребке или на кухне. До наших дней сохранилось около десятка ранних бодегонов Веласкеса, но только «Севильского водоноса» он взял с собой в Мадрид – туда, где пройдёт вся его творческая жизнь и где Веласкес станет великим. Это расценивается как свидетельство того, что картина была ему особенно дорога.

Да-да-да!!! Именно Веласкес написал в 1656 году «Менины».

«Менины», или «Семья Филиппа IV», — картина Диего Веласкеса, одна из самых знаменитых картин в мире, находится в музее Прадо в Мадриде, закончена в 1656 году.

Ателье Веласкеса в королевском дворце в Мадриде. Художник пишет портрет Филиппа IV и его супруги Марианны, которые видны отраженными в зеркале, висящем на дальней стене его ателье. В центре сцены стоит пятилетняя инфанта Маргарита, которая по всей видимости только что вошла в комнату со своей свитой. Свет, так же как и взгляды родителей, направлен на девочку. Веласкес создает впечатление семейного счастья, богатства и блестящего будущего, персонифицированных в лице маленькой принцессы.

Это единственная картина Веласкеса, на которой король и королева изображены вместе, но очень неотчетливо, схематично. Филипп на 30 лет старше своей второй жены и является её дядей. Инфанта Маргарита на момент написания картины была их единственной дочерью.

до сих пор идут споры о сюжете и смысле «Менин». Существует несколько версий, противоречащих друг другу. По одной из них, Веласкес изобразил перерыв в работе над портретом инфанты, когда в мастерскую заглянули её родители. По второй, наоборот, инфанта со своей свитой пришла в гости во время позирования короля и королевы художнику. По третьей же версии, художник написал своеобразный автопортрет в кругу менин, тем самым намекая на своё положение при дворе. Сам художник изображён с крестом ордена Сант-Яго на груди, который он получил тремя годами позднее, в 1659 году, — по легенде, этот крест добавил к портрету сам король Филипп IV.

И вы справились! Это конный портрет короля Филиппа IV кисти Веласкеса ок. 1627 года.

Ну еще бы вы не угадали — это же «Пряхи» Веласкеса 1658 года.

По одной версии, Веласкес создал аллегорию на испанскую монархию и с помощью многочисленных деталей, как и в других работах, выразил своё отношение к ней. По второй версии, картина представляет собой вариацию на темы сразу трёх античных мифов — о мойрах (богинях судьбы в древнегреческой мифологии), об Арахне и о похищении Европы — в оригинальной авторской трактовке. По третьей, «Пряхи» — это своеобразный, наполненный глубоким смыслом, эмоциями и переживаниями портрет (по образцу «Менин») двух любимых художником женщин в образе античных богинь: Хуаны Миранды в виде пожилой пряхи и Фламинии Тривио в виде молодой, изображённой спиной к зрителю.

Пуссен автор, вы совершенно правы. Это «Танкред и Эрминия» 1630-х годов из Эрмитажа.

Многие полотна художника навеяны стихами Тассо. К одному из эпизодов поэмы «Освобожденный Иерусалим» Пуссен обращался дважды. Картины на сюжет «Танкред и Эрминия» хранится в Эрмитаже. Более поздняя и более известная авторская версия находится в Институте изящных искусств при Университете Бирмингема.

Эрминия, влюбленная в рыцаря Танкреда, находит его раненым после поединка с великаном Аргантом. Оруженосец Вафрин приподнимает с земли неподвижное тело Танкреда, а Эрминия, в безудержном порыве любви и сострадания, отсекает мечом свои волосы, чтобы перевязать ими раны рыцаря.

Картина «Танкред и Эрминия» приобретена для Эрмитажа в 1766 году из собрания художника Аведа в Париже, на аукционе.

Конечно-конечно Пуссен! «Царство Флоры» 1631 года. Было бы странно, если бы вы не угадали.

Одно из лучших произведений на античную тему «Царство Флоры», написанное по мотивам поэм Овидия, поражает красотой живописного воплощения античных образов. Это поэтическая аллегория происхождения цветов, где изображены герои античных мифов, превращенные в цветы. В картине художник собрал персонажей эпоса Овидия «Метаморфозы», которые после смерти превратились в цветы (Нарцисс, Гиацинт и другие). Танцующая Флора находится в центре, а остальные фигуры расположены по кругу, их позы и жесты подчинены единому ритму — благодаря этому вся композиция пронизана круговым движением. Мягкий по колориту и нежный по настроению пейзаж написан довольно условно и больше похож на театральную декорацию. Связь живописи с театральным искусством была закономерной для художника XVII века — столетия расцвета театра. Картина раскрывает важную для мастера мысль: герои, страдавшие и безвременно погибшие на земле, обрели покой и радость в волшебном саду Флоры, то есть из смерти возрождается новая жизнь, круговорот природы.

Ну это было просто. Конечно это портрет Клары Серены Рубенс. Кисти собственно Рубенса. Даже неинтересно.

Это конечно было просто, но мы все равно вами гордимся! Конечно же это Рубенс и «Три грации» 1635 года.

Известно, что грацию, расположенную слева, мастер рисовал с натуры – это вторая жена Рубенса Елена Фурман. Автор только-только женился и купался во вновь обретённом счастье.

Сам Рубенс очень любил эту картину и не желал с ней расставаться, поэтому полотно висело в доме художника. Только после его смерти картина была выставлена на продажу, и первым покупателем стал испанский король Филипп IV. Так «Три грации» были вывезены в Испанию, где и «обитают» до сих пор.

По мнению К. Кларка, рубенсовское изобилие плоти можно понять, только учитывая, что он был величайшим религиозным художником своего времени. В качестве примера он приводил картину «Три грации», отмечая, что пышность этих фигур — не что иное, как гимн благодарности за изобилие земных благ, воплощающий «то же бесхитростное религиозное чувство, которое воплощают снопы пшеницы и груды тыкв, украшающие деревенскую церковь во время праздника урожая».

Не исключено, что вам подсказывали, но тем не менее вы правы — это и правда Рубенс и «4 философа» 1611 года.

Портрет не датирован, но обычно его считают данью памяти брату Филиппу, скончавшемуся 8 августа 1611 года, и Юсту Липсию, умершему 23 марта 1606 года, когда братья Рубенсы были ещё в Италии. Соответственно, философ был помещён в самый центр композиции, а на его последнюю научную работу намекал бюст Сенеки. Исполнителем последней воли Липсия был ещё один его любимый ученик — Ян Воверий, изображённый в профиль в правой части картины. Символический смысл картины раскрывался в трёх книгах, лежащих перед изображёнными. Липсий указывает на некий пассаж в четвёртом, раскрытом томе. Возможно, это труды Сенеки. Филипп Рубенс держит перо, готовый записывать, а Воверий открывает ещё одну книгу. Все трое одеты в строгие тёмные костюмы, подчёркивающие их статус, Липсия выделяет меховой воротник, затем пожертвованный на алтарь собора Нотр-Дам в Халле. Помимо перечисленных, на полотне запечатлен автопортрет его автора — отдельно от учёных слева — и (справа внизу) любимый пёс Липсия по кличке Мопс. На заднем плане в окне виден пейзаж. Колонны, обрамляющие окно, похожи на сохранившиеся на Палатинском холме в Риме и отсылают к портику-стое, перекликающемуся с портретным бюстом Сенеки^[132]. Композиция картины многопланова и может быть прочтена различными способами. Во-первых, она построена на симметричном расположении братьев Рубенсов с левого края картины и противопоставленных этой группе Липсия и Воверия справа. С другой стороны, Воверий, Липсий и Филипп Рубенс изображены компактно, а Питер Пауль Рубенс и Сенека — слева и справа — расположены выше группы учёных на втором плане, но вровень с головой Липсия. Наконец, существует и третья — диагональная — ось композиции, образованная колоннами в окне и двумя закрытыми книгами на столе. Изображённый на картине бюст Сенеки принадлежал художнику и был использован в нескольких картинах и гравюрах. В переиздании липсиева собрания трудов Сенеки 1615 года иллюстрации были гравированы по эскизам Рубенса, а в предисловии он был назван «Апеллесом наших дней», чьё творчество служит достойной эпитафией и Сенеке, и Липсию

Правильно. А как вы угадали?

Это действительно Рубенс, «Персей освобождает Андромеду» из Эрмитажа 1622 года.

В барочной композиции «Персей освобождает Андромеду» из собрания Эрмитажа фигура Андромеды восходит к одной из античных статуй Venus Pudica (Венеры Целомудренной). Прототипом, возможно, послужила копия Афродиты Книдской Праксителя в зарисовке Рубенса, сохранившейся лишь в копии

Вас не проведешь! Это именно Рубенс, портрет Джона Вильерса, герцога Бэкингема 1625 года.

на свадьбе принцессы Генриетты в Париже в мае 1625 года Рубенс сумел завести знакомства при английском дворе и лично с герцогом Бэкингемом, сделавшись единственным авторитетным связным между испанскими властями и английским двором, который мог оказать давление на Голландию. Представитель Бэкингема — Балтазар Жербье — сам вышел на Рубенса, поскольку герцог стремился приобрести богатейшую коллекцию художника. На личной встрече Рубенсу было заказано два портрета и сообщены некоторые подробности о внешнеполитической стратегии Карла I. Далее он совершил короткую поездку в Германию, отчитавшись перед герцогиней. Поскольку в Антверпен вернулась чума, в октябре 1625 года Рубенс вывез семью в Лаэкен. Рубенс писал всех выдающихся деятелей противоборствующих сторон: поясной портрет Бэкингема сангиной и конный — маслом

Вы знали, вы знали!

Это конечно же Рубенс и «Битва амазонок» 1618 года.

На полотне изображен сюжет мифологической битвы аргонавтов с воинственными женщинами — амазонками. Картина представляет собой переплетение человеческих и животных тел с изобилием форм движения и расположения деталей в композиции, и в конечном итоге все «формы распада» на картине приходят в единое целое — эллипс. Каждая деталь отражает великолепие каждого тела, каждого до мелочи проработанного предмета, изображенного неповторимой техникой света и тени. В картине ярко выражена тема переноса мифологического сюжета и тогдашней политической ситуации — объявления Тридцатилетней войны (1618—1648) в Европе.

Если видишь на картине ты руины замка Стеен — это значит автор Рубенс, не Лоррен и не Лебрен!

Это Рубенс, «Пейзаж с замком Стеен в раннее утро» 1636 года. Вы как всегда правы. Ну или почти как всегда.

Ну это было легко — только Франс Снейдерс способен на такое. «Рыбный рынок» 1621 года.

Франс Снейдерс (1579, Антверпен —  1657, Антверпен) — фламандский живописец, мастер натюрмортов и анималистических композиций в стиле барокко.

Поначалу основной темой творчества Снейдерса были натюрморты, в дальнейшем он стал проявлять больший интерес к анималистическим сюжетам и сценам охоты. Мастерство Снейдерса высоко оценил Питер Пауль Рубенс, с 1613 года приглашавший его к сотрудничеству для написания животных. Снейдерс не любил изображать людей — по имеющимся сведениям, человеческие фигуры на его картинах писали Якоб Йорданс, Абрахам Янсенс и другие мастера.

Вас, наверное в детстве укусил искусствовед. Это действительно Франс Снейдерс, «Птичий концерт» 1630-х годов.

В 1619 году Снейдерс был избран членом антверпенского Братства романистов, а в 1628 году — его деканом. Для позднего периода его творчества характерны монументальные полотна, всегда пользовавшиеся большой популярностью среди покупателей. Созданные им огромные декоративные полотна, в частности, украшали столовую во дворце епископа города Брюгге, известного мецената Антония Триста.

Мало кто знал Рембрандта таким, как на автопортрете 1665-69 годов, но тем не менее это он. Вы правы.

На последних автопортретах 1669 года он, несмотря на бросающуюся в глаза физическую немощь, спокойно смотрит в лицо судьбе.

Да и вы не промах! Это Рембрандт конечно же. «Аллегория музыки» 1626 года,  пример ластмановского влияния на юного Рембрандта.

Мы бы очень удивились, если бы вы не узнали «Возвращение блудного сына» Рембрандта 1666-69 гг.

На картине изображён финальный эпизод притчи, когда блудный сын возвращается домой, «и когда он был ещё далеко, увидел его отец его и сжалился; и, побежав, пал ему на шею и целовал его», а его старший праведный брат, остававшийся с отцом, осердился и не хотел войти.

Это самое большое полотно Рембрандта на религиозную тему.

На небольшой площадке перед домом собрались несколько человек. В левой части картины изображён спиной ко зрителю коленопреклонённый блудный сын. Его лица не видно, голова написана в profil perdu. Отец нежно касается плеч сына, приобнимая его. Картина — классический пример композиции, где главное сильно сдвинуто от центральной оси картины для наиболее точного раскрытия основной идеи произведения. «Главное в картине Рембрандт выделяет светом, сосредотачивая на нём наше внимание. Композиционный центр находится почти у края картины. Художник уравновешивает композицию фигурой старшего сына, стоящего справа. Размещение главного смыслового центра на одной трети расстояния по высоте соответствует закону золотого сечения, который с древних времен использовали художники, чтобы добиться наибольшей выразительности своих творений».

Бритая, будто у каторжника, голова блудного сына и его потрёпанная одежда свидетельствуют о падении. Воротник хранит намёк на былую роскошь. Туфли изношены, причем трогательная деталь — одна упала, когда сын становился на колени. В глубине угадывается крыльцо и за ним отцовский дом. Мастер поместил главные фигуры на стыке живописного и реального пространств (позднее холст был надставлен внизу, но по замыслу автора его нижний край проходил на уровне пальцев ног коленопреклонённого сына). «Глубина пространства передаётся последовательным ослаблением светотеневых и цветовых контрастов, начиная от первого плана. Фактически она строится фигурами свидетелей сцены прощения, растворяющимися постепенно в полумраке». «Перед нами децентрализованная композиция с главной группой (узлом события) слева и цезурой, отделяющей её от группы свидетелей события справа. Событие заставляет по-разному реагировать участников сцены. Сюжет строится по композиционной схеме „отклик“»

Именно так! И это именно Рембрандт с женой Саскией на картине «Блудный сын в таверне» 1635 года.

Избыток жизненных сил художника в годы брака с Саскией с наибольшей бравурностью выражен в картине «Блудный сын в таверне» (1635). Иконография этой прославленной работы восходит к моралистическим изображениям разврата блудного сына из библейской притчи.

Саския умерла через год после рождения сына, и в жизни Рембрандта начался период непрерывных личных утрат

И вам даже не нужно быть покусанным искусствоведами, чтобы узнать «Данаю» Рембрандта!

Картина Рембрандта из коллекции Эрмитажа, написанная по мотивам древнегреческого мифа о Данае, матери Персея.

Когда царь древнегреческого города Аргоса узнал о пророчестве, согласно которому ему суждено умереть от руки сына Данаи, своей дочери, он заключил её в подземелье и приставил к ней служанку. Однако бог Зевс проник к Данае в виде золотого дождя и совокупился с ней, в результате чего Даная родила сына Персея.

Молодая обнажённая женщина в постели освещена потоком тёплого солнечного света, падающего через сдвинутый служанкой полог. Женщина приподняла голову над подушкой, протянув правую руку навстречу свету, пытаясь как бы почувствовать его своей ладонью. Её доверчивый взгляд обращён в сторону света, губы чуть приоткрылись в полуулыбке. Спутанная прическа, примятая подушка — всё говорит о том, что ещё минуту назад, раскинувшись в дремотной неге, женщина смотрела сладкие сны в своей роскошной постели.

Ура! Вы не уйдёте из искусства, потому что знаете, что это — «Ночной дозор» Рембрандта, или «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга», написанный в 1642 году.

Картина была написана по заказу Стрелкового общества — отряда гражданского ополчения Нидерландов, пожелавшего украсить своё новое здание групповыми портретами шести рот. Рембрандту портрет заказала стрелковая рота капитана Франса Баннинга Кока и заплатила 1600 флоринов.

В XVIII веке полотно обрезали со всех сторон, чтобы картина поместилась в новом зале. Больше всего пострадала левая часть картины, где исчезли два стрелка. Сохранилась копия XVII века (Геррита Люнденса, хранится в Лондонской Национальной галерее), по которой можно судить об утраченной части картины.

Рембрандт нашёл очень удачную композицию: мушкетёры выходят из тёмного дворика через арку на залитую солнцем площадь. Очевидна мастерская игра света и тени, характерная для стиля великого художника.

Рембрандт отступил от канона, согласно которому изображение должно было представлять собой статичный парадный портрет. Он изобразил тот момент, когда капитан Баннинг Кок отдал приказание о выступлении лейтенанту Рёйтенбюргу, и всё пришло в движение. Прапорщик разворачивает знамя, барабанщик выбивает дробь, на него лает собака, мальчик убегает. На картине движутся даже детали одежды стрелков.

Второй новаторский прием Рембрандта заключался в том, что он наполнил картину помимо 18 заказчиков другими персонажами, их 16. Легко объяснимо только появление барабанщика, который не числился в роте, его нанимали для участия в параде. Появление и предназначение других персонажей, символы, связанные с ними, породили десятки вопросов у исследователей, точные ответы на которые знал только сам Рембрандт. Наибольшее число загадок связано с появлением девочки в золотистом платье (в художественном плане она, размещённая в месте золотого сечения, в левой части картины, призвана, по-видимому, компенсировать яркий камзол Рёйтенбюрга в правой). Она окружена символами, традиционно относящимися к мушкетерам. На поясе у неё прикреплены пистолет и курица (или петух), в левой руке рог для вина. У ближайшего мушкетера на шлеме дубовые листья. Поэтому многие исследователи считают её талисманом отряда. Но загадки остаются. Так как в нидерландском языке слово кловенир (от кловен — разновидность мушкета) созвучно слову, обозначающему птичий коготь, то эмблемами стрелков обычно были лапки хищных птиц: соколов, ястребов, но не куриц.

Возможно, Рембрандт изобразил на картине себя за правым плечом Яна Оккерсена, стрелка в цилиндре.

Да вы, батенька, просто гурман от искусства!  Конечно же это Рембрандт и его офорт «Мельница»  1641 года.

На офорте изображена так называвшаяся Малая Вонючая мельница, расположенная у южной оконечности городской стены в западной части Амстердама. Она принадлежала гильдии кожевенников и использовалась для размягчения кожи с помощью рыбьего жира, откуда и произошло её название.

Мельница изображена в мельчайших подробностях. Стоящая рядом с мельницей хижина прорисована с такой же тщательностью. Пленэрные рисунки Рембрандта не отличаются такой подробностью и точностью. Исключительно детализированное изображение на данном офорте позволяет высказать предположения, что, во-первых, Рембрандт работал над офортом непосредственно на месте, во-вторых, особенно тонкими иглами.

Заметны серые пятна вокруг мельницы и кракелюры в центре офорта, совершенно не характерные для Рембрандта. По-видимому, это результат какого-то неудачного опыта или происшествия с кислотами.

Без ответа остаётся вопрос, почему из множества мельниц в Амстердаме и его окрестностях в 1641 году, в зените славы, Рембрандт выбрал для офорта мельницу с наименее приятным названием и расположенную очень далеко от его дома?

Рембрандт, не сомневайтесь! «Христос в Эммаусе» 1629 года.

После того как Иисуса распяли, двое его учеников, направлялись в Эммаус, селение неподалеку от Иерусалима. К ним приблизился незнакомец, пошел с ними, всю дорогу изъяснял Писание и разделил с ними трапезу в доме, куда они пришли. Когда он преломил хлеб и подал им, глаза у них открылись и они узнали Иисуса, воскресшего из мертвых, но Он тут же стал невидимым для них. В раннем варианте этой картины  Рембрандт изобразил момент откровения драматически: силуэт Иисуса и ученики, словно пораженные молнией. Здесь же подчеркивается естественность, человечность происходящего: лишь неяркий нимб над головой Иисуса и восторженный, устремленный ввысь взгляд указывают на Его божественность, которой, очевидно, не замечает мальчик-прислужник.

Ну кто же еще может быть столь аллегоричен, как не Якоб Йорданс в своей «Аллегории изобилия» 1618 года? Это именно он!

В искусстве Йорданса с большой силой выявлены народные основы и реалистические устремления фламандской школы, такие её черты, как ярко чувственное восприятие жизни, мощная лепка форм кистью, неиссякаемый оптимизм. Вместе с тем в творчестве Йорданса значительную роль играли связи со старой нидерландской традицией и с наследием Караваджо.

Отличился Йорданс, вы правы, в 1640 году в очередной раз приковав его. Надеемся, ему там не икалось.

В ранних произведениях Йорданса („Семейный портрет“, около 1615, Эрмитаж; „Поклонение пастухов“, 1618, Национальный музей, Стокгольм) родственны караваджизму плебейская характерность фигур, тесно сгруппированных на переднем плане, подчёркнутая материальность предметов, контрастная светотень. В лучших картинах Йорданса, выполненных в 1620—1630-х гг. („Воспитание Юпитера“, 1620, Картинная галерея, Кассель; „Семейный портрет“, около 1622—24, Прадо, Мадрид; „Аллегория плодородия“, около 1625—28, Музей старинного искусства, Брюссель; „Бобовый король“, 1638, Эрмитаж), определились особенности его реализма — пристрастие к полнокровным крестьянским и бюргерским типам, крепким тяжеловесным фигурам и сочным деталям, предпочтение бытовому жанру и жанровой трактовке религиозных и мифологических тем, энергичная и сильная плотная живопись с преобладанием звучных тёплых тонов.

Откуда вы всё знаете? Вы наверное искусствовед в 5 поколении. На худой конец, в 4-м с половиной. Это Йорданс, вы правы.  «Четыре евангелиста» (1622-1625).

Четыре евангелиста созерцают Священное Писание, которое, в свою очередь, послужило источником вдохновения их собственных сочинений. Пока они погружены в изучение текста Библии, покоящейся на столе, Иорданс позволяет нам оценить различие их индивидуальностей. Полуфигуры господствуют в пространстве, почти полностью закрывая задний план, образуемый винно-красным бархатным занавесом и просветом неба.

Да вы просто гений! Это именно Ян Брейгель Бархатный, написавший в 1617-18 годах совместно с Рубенсом цикл аллегорий «Четыре элемента и пять чувств», среди которых  и эта — «Аллегория зрения».

Вы наверное в прошлой жизни были голландцем. Иначе откуда бы вы знали, что это Ян Брейгель Бархатный и его «Букет» 1606 года из Мюнхена? Правильно!

Ян Брейгель знаменит своими детальными изображениями цветов в виде натюрмортов или цветочных венков. Благодаря своей покровительнице эрцгерцогине, художник имел доступ в королевские оранжереи, в которых выращивали редчайшие растения. Он всегда писал с натуры и ожидал по многу месяцев, когда расцветёт то или иное растение.

А откуда вы знаете? Вы случайно не родственник Рембрандта? Ведь это именно он автор картины «Еврейская невеста» 1665 года.

Одна из последних и самых загадочных картин Рембрандта. Название ей дал в 1825 году амстердамский коллекционер Ван дер Хоп. Он ошибочно полагал, что на ней изображен отец, дарящий дочери-еврейке ожерелье на свадьбу.

Возможно, это заказной портрет, но одежда персонажей явно похожа на старинную, библейскую, поэтому в качестве названия предлагались «Артаксеркс и Эсфирь», «Иаков и Рахиль», «Абрам и Сарра», «Вооз и Руфь». Наиболее убедительно выглядит версия с названием «Исаак и Ревекка», так как известен рисунок Рембрандта 1662 года (Частное собрание, Нью-Йорк) с таким названием и похожей композицией.

Рентгенограмма картины показывает, что первоначально на картине были изображены дополнительные детали, в частности, в руке девушки была корзинка с цветами.

Винсент Ван Гог однажды сказал, что отдал бы десять лет своей жизни за возможность просидеть две недели перед этой картиной с одной лишь буханкой хлеба.

Да, вы — знаете! Это Франс Халс и «Регентши приюта для престарелых» 1664 года.

Когда Франс Хальс напишет групповой портрет регентш богодельни в Харлеме, ему уже за восемьдесят. Некогда успешный и востребованный, он всегда был охоч к выпивке и жизни на широкую ногу. Теперь Хальс — нищий больной старик, еле сводящий концы с концами. По заказу приюта, Франс напишет два групповых портрета регентов богадельни: мужской и женский. В качестве оплаты за картины, приют выделит ему три тележки торфа, которыми Хальс сможет элементарно отопить свой дом и не замёрзнуть зимой. Через два года после написания «Регентш приюта для престарелых», он умрёт в этой самой богадельне, 26 августа 1666 года. Вдова Хальса переживет его на несколько месяцев, умерев там же. Сегодня, в бывшем здании приюта расположен музей Франса Хальса — выдающегося портретиста золотого века голландского искусства.  (© Сноб)

У вас, наверное, родственники в Голландии. Поэтому вы точно знаете, что групповой портрет «Регенты госпиталя Святой Елизаветы в Харлеме» 1641 года написал Франс Халс.

Спокойная, уравновешенная композиция с сосредоточенной атмосферой и строгой колористической гаммой.

Знаете! Это Франс Халс, «Встреча офицеров роты святого Адриана в Харлеме» 1633 года!

Халс радикально реформировал групповой портрет, порвав с условными системами композиции, вводя в произведения элементы жизненных ситуаций, обеспечивающие непосредственную связь картины и зрителя.

Это действительно Терборх, вы правы. В прошлой жизни вы, наверное, были голландцем. Это картина «Мальчик с собакой» (Мальчик, ищущий блох), 2-я треть XVII века.

Конечно это Герард Терборх, «Портрет молодого человека» 1663 года. Вы, почти как всегда, правы!

Это конечно же Герард терборх собственной персоной! Автопортрет 1668 года.

Герард Терборх считается одним из главных мастеров голландской жанровой живописи. Свои первые шаги в искусстве он сделал под руководством своего отца, Герарда Терборха Старшего. Первые картины младшего Герарда, датированные 1625 годом, бережно хранил отец, они сохранились и до нашего времени. Это жанровые сцены, преимущественно ландшафты в окрестностях города Зволле. К 1632 годуотносятся упоминания о пребывании Герарда Терборха в Амстердаме. В 1633 году Герард Терборх отправился учиться в Харлем к пейзажисту Питеру де Молину. Двумя годами позже он получил должность мастера и соответственно право подписи собственных работ.

Само собой, Рёйсдала! Вы традиционно правы! Ну или нетрадиционно.

Мельница около Дюрстеде. 1670 год. Якоб ван Рёйсдал.

Рёйсдал считается ведущим мастером пейзажной живописи Нидерландов. Ему удалось превратить ландшафтную живопись в зеркало человеческих эмоций. В его картинах даёт себя знать чуткая, напряжённо-страстная восприимчивость художника к жизни природы в её частных и общих проявлениях. Манера письма маленькими мазками характеризует разнообразие форм увиденного в пейзажном мотиве и вместе с тем эмоциональное их переживание, образное восприятие. Рёйсдал заставляет почувствовать каждый маленький мотив в сложном хоре образа природы, будь то дорога, бегущая вверх, или склонённое от сильного морского ветра дерево, растрёпанный куст или предвещающее грозу облако. Движение каждого мотива слагается в широкий, мощный процесс взаимосвязи и взаимодействия стихийных сил природы и всех её порождений на земле. Рёйсдал любил писать лесные чащи, болота, водопады — места, где человек только прохожий, — маленькие нидерландские города или деревни, теряющиеся в пространственной дали равнин под огромным, торжествующе властным небом. Вольфганг Гёте назвал его «подобно поэту, мыслящим художником».

Да! Это конечно же Рёйсдал! Винкельман и Грабарь хлопают в ладоши.

Якоб ван Рёйсдал. Морской пейзаж. 2-я треть XVII в.

Большинство его пейзажей посвящены природе родных Нидерландов, однако Якоб Рёйсдал также писал дубовые леса Германии или по примеру своего друга художника Алларта ван Эвердингена водопады Норвегии.

Угадали. Это ведь и правда Якоб ван Рёйсдал, и это его «Пшеничные поля» 1670 года.

Творческое наследие Рёйсдала составляют около 450 картин. Большинство его пейзажей посвящены природе родных Нидерландов.