Маленький уютный тест по XX веку

Узнать Андре Дерена и его «Здание парламента ночью» 1906 года было нелегко. Но вы всё же как-то умудрились это сделать!

Конечно, какой же порядочный искусствовед не знает Рауля Дюфи? Вы совершенно правы, дорогой коллега. Жмём руку.

Рауль Дюфи родился в бедной многодетной семье. Несмотря на выказанные в школе способности, ещё ребёнком был вынужден зарабатывать на жизнь. В 1891 году, 14-летним, поступает на службу в швейцарскую фирму по импорту кофе «Дом Лути и Хаузер», где ведёт бухгалтерские книги и контролирует погрузку и разгрузку товара на судах. В то же время посещает вечерние курсы живописи Шарля Луйе при Художественной академии в Гавре.

«В 1905-06 годах я работал на пляже в Сент-Адрес. До тех пор я писал пляжи в манере импрессионистов и дошел до предела, поняв, что при этом способе копирования природы, она (природа) уводит меня в нескончаемые извивы, топит в незначительных и мимолётных мелочах. Я же оставался за бортом картины… В один прекрасный день я не выдержал и вышел с красками и листом бумаги. Остановившись перед первым попавшимся пляжным сюжетом, я стал смотреть на свои кисточки и тюбики с красками. Как с помощью этого суметь выразить не просто то, что я вижу, но то, что есть на самом деле, что существует для меня, мою действительность? Вот в чем задача. Я почувствовал, что она именно в этом и ни в чем другом. И приступив к рисунку, стал отбирать в природе то, что мне подходит. С этого дня мне не было возврата к бесплодным борениям с составными частями мира, открывающегося моим глазам.»

Вас точно укусил искусствовед! Это и правда Альбер Марке и «Распахнутое окно» 1924 года.

По словам М. Ю. Германа, искусство Марке: «Учит людей понимать драгоценные паузы и ждет тишины, возможно еще не наставшей».

А этот мост написал Альбер Марке, как вам и без нас известно. В 1905 году.

Альбер Марке, сын железнодорожного служащего в Бордо, рисовал с детства на всём, что под руку попадет: углем на полу, карандашом на полях школьных тетрадок. Он регулярно ходил в местный музей, где любовался Рубенсом, Веронезе, Мурильо. Родители не возражали против его увлечения, и после окончания Школы декоративных искусств Альбер вместе с Матиссом поступил в Школу изящных искусств на курс к Гюставу Моро. Оба называли Моро своим первым учителем и всю жизнь вспоминали его с большой теплотой.

Шайтан, однако. Конечно же это Пабло  — наше всё — Пикассо и «Скрипка и гитара» 1913 года, которая благополучно живет в Эрмитаже.

Да. Бранкузи. Константин Бранкузи. Смешивать не надо, он уже сам смешал.

Константин Бранкузи́ — французский скульптор румынского происхождения, один из главных основателей стиля абстрактной скульптуры, ярчайший представитель парижской школы, имеющий мировое имя в авангардном искусстве XX века, если что. Впрочем, вы это всё наверное и без нас знаете, раз угадали.

И ведь назвали же! Вы точно не из семьи Грабарь? Это ведь и правда Жан Мецингер и «Двое обнаженных».

В своём творчестве Ж.Метцингер сперва ориентировался на неоимпрессионистов, что привело его в период между 1905 и 1908 годами к выработке мозаичного узора, что можно рассматривать как первое творческое достижение художника. Эти ранние нео-импрессионистские работы являются своего рода мостом к более поздним, кубистским произведениям. Постепенно стиль Метцингера становится всё более геометричным и его художественная композиция совершенствуется благодаря творческому влиянию таких мастеров, как Брак, Пикассо и Грис (да, такие тоже были)

Пресвятая светотеневая моделировка! Да вы угадали! Это действительно Амеде Озанфан, правда мы не уверены в названии «Натюрморт», поэтому просто доверимся вашему опыту и знаниям! Браво, коллега!

Амеде Озанфан — французский художник и теоретик посткубизма, основатель пуризма в живописи. Хотя что мы вам тут рассказываем? Вы и так это знаете. Наверное.

Сможете! Конечно же это Робер Делоне и «Дань уважения Блерио», стыдно было даже спрашивать у вас о такой ерунде.Простите, магистр.

Картина «В честь Блерио» посвящена французскому авиатору Луи Блерио – первому человеку, пересекшему в 1909 году по воздуху Ла-Манш.

Не обошлось и без «любимицы» Робера Делоне – на заднем плане справа Эйфелева башня, которая всегда узнаваема на его полотнах, написанных в любом стиле. К тому же, Луи Блерио – француз, а с башней как символом Франции разве что круассан мог бы соперничать.

У нас один вопрос — откуда вы знаете всех этих людей? И Соню Делоне тоже с ее «Рынком в Миньо»? Панофски и Зедльмайер рыдают от умиления.

Картина написана в изобретенном Соней и ее мужем Робером Делоне стиле симультанизм, который представляет собой ответвление кубизма. Круговое и яркое ответвление, заметим. Симультанизм – одно из первых проявлений абстрактного искусства. Основной прием – использование концентрических «солнечных» кругов. Поэт Гийом Аполлинер называл этот стиль орфизмом, ссылаясь на древнегреческого музыканта Орфея и несомненное «звучание» картин симультанистов.

Но это так, к слову.

Кто-кто. Конечно Хуан Грис. И вот так он видел в 1912 году Пабло Пикассо. Оставим это на его авторской совести. Обидеть-то каждый может. А вот понять, — только истинный искусствовед.

Вы знали. Вы знали, что это Умберто Боччони и просто пудрите наш маленький мозг. А картина  — 31-й сюжет из его серии «Состояний души». Их там много было, да.  Душа большая, состояний много.

Это же как нужно любить футуризм, что бы угадать Джакомо Балла и «Динамизм собаки на поводке»! Сильно, видимо. Все футуристы аплодируют стоя. Некоторые даже плачут.

Это одна из самых известных работ Джакомо Баллы. В ней почти покадрово передаётся нам повесть о том, как одна женщина выводила собачку гулять на бульвар. На этой картине мы воочию можем наблюдать теоретический принцип одновременности, изобретённый футуристами, то есть демонстрацию движущегося объекта одновременно во множестве точек времени. Если кубисты придумали изображать объект одновременно со многих точек пространства, футуристы предпочти смотреть на мир со многих точек времени. И у Джакомо Баллы взгляд с этой точки зрения был намётан, как у немногих, о чём свидетельствуют спектральное разложение света вокруг движущегося силуэта и само движение границы контура, которая вычислена совершенно точно, поэтому естественно смотрится. Вот так.

Ну нельзя же столько знать! Но тем не менее вы правы, это действительно Томмазо Маринетти. А вот его ли это работа, или обложка к его «Манифесту футуризма» — этого уже даже мы не знаем. Это тайна.

А вы наверное каждый год в Берлине бываете, на той самой Потсдамской площади, которую тут и изобразил Эрнест Кирхнер в 1914 году. Ну или может вы просто истинный искусствовед. Всякое же бывает.

Фанаты «Синего Всадника», приветствуем вас! Ваше второе искусствоведческое «Я» вас не обмануло, и это и правда Франц Марк и «Лисы» 1913 года. Животные — они такие разные…

Зрелая живопись Марка зачастую изображает животных в естественной обстановке (олени, лошади, лисы и т. д.), которые, по сравнению с человеком, казавшимся художнику безобразным, представлялись как высшие, чистые существа.

А любил рисовать мясо, в том числе, и Хаим Сутин. Причем очень много и всё примерно вот в таком виде. Зато узнаваемо. Это — «Говядина и телятина», как он ее видел в 1923 году.

Ну вот откуда вы всё это знаете, а? Вы что, учитесь на искусствоведа??? Это действительно Василий Кандинский и «Первая абстрактная акварель» 1910 года. Вот какой год, такая и акварель. Живёт в Центре Помпиду в Париже.

В 1910 году Василий Кандинский провозгласил беспредметность основным принципом своего дальнейшего творчества. Он оставил лишь форму и цвет выразителями содержания картин. Белый фон можно трактовать как безмолвие, ведь Кандинский расшифровывал этот цвет как выразитель молчания. Красный обозначает в картине движение и беспокойство, а также мужскую силу, тогда как синий выступает символом тайны и даже мистики. Ещё здесь присутствует жёлтый, как обозначение земли, чёрный, как знак Апокалипсиса (потухшее Солнце) и зелёный – выразитель равнодушия. Прихотливые формы призваны подчеркнуть значение каждого цвета. Как-то так.

Да и правда, кто ж не знает Хауссмана?

Хаусман, Рауль. 1886, Вена — 1971, Лимож. Немецкий художник. С 1900 жил в Берлине, где обучался живописи под руководством своего отца. Ранние живописные работы отмечены влиянием экспрессионизма и кубизма. Сблизившись с кружком, сложившимся вокруг журнала Дер Штурм, принимал активное участие в обсуждении проблем современного искусства, часто выступал как теоретик и художественный критик.

В фотоколлаже «Татлин дома» (1920) мастерская художника уподобляется научной лаборатории, а его мышление — сложному, блистательному в своем совершенстве механизму. Динамичные, насыщенные множеством деталей композиции Хаусмана являются параллелью монтажному кино, в котором последовательность кадров определяется логикой метафорического мышления. Фотомонтаж, возникший как модификация принципов живописного коллажа, вскоре был освоен в печатной графике, стал широко применяться в агитационно-политическом, а затем и рекламном плакате.

Да вы провидец просто! Ну или дальний родственник Макса Эрнста. Потому что это именно его произведение — «Маленькая машина» 1920 года.

В работе проявляется интерес Эрнста к типографии. Многие фигуры в машине можно рассматривать как буквы. На нижней части находится надпись, которая гласит: «Маленькая машина, построенная Minimax Dadamax лично для бесстрашного опыления самцов-присосок в начале смены жизни и для других таких бесстрашных функций». Пожалуй, это всё, что нужно знать.

Нужно быть искусствоведом по жизни, чтобы знать, что это Роберт Генри и «Портрет По Тсе». И вы, похоже, истинный искусствовед! А мы в немом восхищении уползаем под плинтус.

Как это ни удивительно, вы угадали Роберта Генри! И его картину «Вдали». С чем вас и поздравляем.

В 1886 Роберт Генри поступает в пенсильванскую Академию изящных искусств. В 1888 он уезжает в Париж, где с 1889 по 1891 год посещает Академию Жюлиана и Школу изящных искусств.

В 1891 году художник возвращается в Пенсильванию, где вступает в художественную группу Восемь. Её члены, выступавшие против официального, академического искусства, в 1908 году объединились в группу, окрещённую позднее историками искусства «школой мусорного ведра» (Ashcan School). Из неё вышли такие прославленные мастера, как Стюарт Дэвис, Артур Гарфилд Доув, Джозеф Стелла. Р. Генри был ведущим представителем группы. Так-то.

Вы еще и Томаса Дьюинга знаете. Вы точно, наверное, в Эрмитаже живёте. Это Дьюинг и картина «Дама с лютней».

Томас Уилмер Дьюинг — американский художник-тоналист, один из основателей художественного общества «Десять американских художников».

В 1888 году Томас Дьюинг был избран в Национальную академию дизайна. В 1898 году он стал одним из основателей группы из десяти американских художников, которые отделились от Общества американских художников в 1897 году. В 1899 году Дьюинг вступил в Общество художников-пейзажистов, основанное в этом же году, где он работал с другими художниками-тоналистами. Это так, для справки.

Ну кто же не знает Джозефа Лейендекера, честное слово? Точно не вы! А уж его картину «Американские моряки» 1917 года и подавно. Вас, наверное, в детстве нашли в лесу искусствоведы и воспитали в своей стае.

Джозеф Кристиан Лейендекер (1874 — 1951) — американский иллюстратор. Известен созданием рекламных постеров для компании «Arrow Collar» и многочисленных обложек журнала «The Saturday Evening Post».

Еще бы вы не угадали Гренвилля Редмонда — родного для каждого русского человека художника! А теперь признайтесь — вы знали, вы знали! Это «Побережье Малибу», каким его увидел Редмонд в 1929 году.

Вы — знаете! Вам череп не жмёт? Хорошо. Ибо не каждый знает Джона Слоуна и его картину «Женщины сушат волосы». Но это не про вас.

Джон Слоун вначале проявил себя как график, работая иллюстратором и карикатуристом в одном из журналов своего родного штата. Параллельно вечером учился в Пенсильванской школе изящных искусств в Филадельфии. Под влиянием творчества своего учителя, художника Роберта Генри переходит к масляной живописи, причём образцом для Дж. Слоуна становится живопись Эдуарда Мане, а затем Винсента ван Гога, Пабло Пикассо, Анри Матисса.

Вы правы, дорогой коллега, это действительно Джордж Лакс и «Хестер-стрит» 1905 года. Признайтесь, вы тоже поучаствовали в создании «Школы мусорных вёдер», не так ли?

В 1896 году Лакс переехал в Нью-Йорк и начал работать в качестве художника в газете New York World Джозефа Пулитцера, где одной из его задач было рисование комиксов «Жёлтый малыш». Несмотря на эту деятельность, Джордж Лакс продолжил общение со своими коллегами по встречам у Роберта Генри, и всё больше внимания уделял живописи. В течение нескольких продуктивных лет жизни, он стал участником школы Мусорных вёдер и членом группы художников «Восемь». Выставлялся во многих городах США; занимался преподавательской деятельностью.

Умер 29 октября 1933 года в Нью-Йорке после потасовки в баре, как истинный художник.

На фестивале фанатов Уильяма Глакенса вы бы были председателем жюри. Это картина «У Мукена» далёкого 1905 года. И это всё, что нам известно об этом произведении.

В 1898 совместно с художником Джорджем Лаксом путешествовал по Кубе; вернувшись в Филадельфию, создавал преимущественно картины, посвящённые улицам и площадям большого города. В 1906 вновь посетил Францию, совершил поездку в Испанию. В 1908 выставлял свои работы вместе с представителями нью-йоркской «школы мусорных вёдер».

Да, вы знаете Эверетта Шинна и его картину «Круглосуточное кафе» 1900 года.  Где-то внутри вас живёт маленький искусствовед и иногда вылезает в поисках духовной пищи.

Эверетт Шинн (1876—1953) — американский художник, один из участников школы Мусорных вёдер; иногда выставлялся с участниками группы «Восемь».

Альфаро Сикейрос, которого вы угадали,  создал свою фреску «Новая демократия» в 1945 году и приурочил ее написание к годовщине Мексиканской революции и победе над фашизмом. Картина, написанная по сырой штукатурке водяными красками, занимает площадь около 100 кв. м.

И нам, и вам не кажется — это конечно же Диего Ривера и «Вход в шахту» 1923 года.  Роспись во Дворе Труда Министерства просвещения в Мехико.

Диего Мария де ла Консепсьон Хуан Непомусено Эстанислао де ла Ривера и Баррьентос Акоста и Родригес (1886 —1957) — мексиканский живописец, муралист, политический деятель левого толка с прекрасным именем.

А вы взяли и узнали Цугухару Фудзита с его «Автопортретом» далёкого 1926 года! Вы, возможно, когда-то случайно попали на конгресс искусствоведов и подцепили эту заразу.

Цугухару Фудзита (1886, Токио — 1968, Цюрих) — французский живописец и график парижской школы, выходец из Японии. В своём творчестве объединил строгую линейность японской гравюры с традициями европейского реализма. Наиболее известны его ню, многочисленные изображения кошек, женские, детские и автопортреты. В конце жизни обратился в католицизм, приняв имя «Леонард Фужита», и писал картины на религиозные темы. Это для справки.

Ну с вашим-то знанием искусства несложно было угадать, что это Адольф Циглер, тот самый организатор выставки «Дегенеративное искусство» и его «Четыре элемента» 1937 года.

В начале 1920-х годов вступил в НСДАП, в 1925 году встретился с Гитлером. После прихода к власти нацистов в 1933 году, получил должность профессора Мюнхенской академии художеств, с 1937 года — президент Имперской палаты изобразительных искусств. В 1944 году, на одной из художественных выставок, высказал сомнения относительно правильности политики Гитлера, в результате чего был арестован гестапо и отправлен в концлагерь Дахау. Освобожден через полтора месяца по личному приказу Гитлера. После войны Циглера исключили из Мюнхенской академии художеств из-за его сотрудничества с нацистами. Он поселился в деревне Фарнхальт близ Баден-Бадена где умер в 1959 году.

Нельзя столько знать! Хотя нет, можно. Можно даже знать Арно Брекера и его рельеф «Ты и я», что вы и делаете.

Арно Брекер (1900 — 1991) — немецкий скульптор, поставивший свой талант на службу Третьему рейху. У нас всё.

Искусство Третьего рейха — ваше всё. Поэтому вы и угадали Зеппа Хильца и его «Крестьянскую Венеру» 1939 года.

Большой успех пришёл к художнику в годы правления в Германии национал-социалистов. Его «сельские» работы — из жизни и труда крестьянства — с точки зрения партийной верхушки отражали национальный дух немецкого народа. Зепп Хильц был одним из любимых художников Адольфа Гитлера, который в 1938 году купил за 10 000 марок картину Хильца «После работы». В 1939 году мастер получил в дар от государства 1 000 000 марок на покупку земельного участка, строительство там дома и художественного ателье.

Конечно, каждый узнает родного каждому человеку Леопольдо Мендеса. И его линогравюру «Казнь» 1949 года. Это же так просто!

Леопольдо Мендес — мексиканский график и живописец. Учился в АХ в Мехико (1917-20). Руководитель «Мастерской народной графики» (с 1937). Мастер гравюры на линолеуме, сочетавший яркую экспрессию с психологической глубиной образов и многогранным воссозданием окружающей среды. В своём творчестве выразил идеи борьбы за мир, демократию, национальную независимость. Не просто так.

Да, это Диего Ривера парижского периода. И его «Портрет двух женщин» 1914 года. Как молоды мы были, да. А вы молодец, не растерялись!

А вы и так знаете. Что это Отто Дикс и «Штурмовики, продвигающиеся под газом» 1924 года. Вообще эту работу как только не обзывают, достаточно запомнить слова «штурмовики» и «газ».

Да, вы правы, это Отто Дикс и триптих «Война» 1929 года. Откуда вы всё знаете — не понимаем.

Ибо нельзя просто так взять, и не знать Оскара Кокошку и «Невесту ветра». Но вы знаете, поэтому мы спокойны за отечественное искусствоведение.

В 1913 году Оскар Кокошка измерил кровать своей любовницы Альмы Малер, он вырезал холст такого же размера, смешал краски и начал писать на нем свою самую важную картину.

Холст-кровать постепенно превращается в холст-стихию, холст-бурю, потому что эта любовь была изматывающей и безумной. Уходя по ночам от возлюбленной, Оскар мог до утра стоять под окнами, карауля выдуманных соперников. Кокошка пишет, что со времен Средневековья ни одна влюбленная пара не вдыхала друг в друга столько страсти. И потому первым названием картины было «Тристан и Изольда». Название «Невеста ветра» придумает поэт Георг Тракль, который в алкогольном дурмане шепчет новые стихи каждый вечер в мастерской Кокошки.

Картина была продана сразу же. На вырученные от ее продажи деньги Кокошка купил лошадь и ушел на войну.

Да почти никто не знает, на самом деле. Но это не про вас. Вы-то знаете Карла Шмидта-Ротлуффа и его картину «Фарисеи» 1912 года. Вёльфлин, Виппер и Панофски обнялись и танцуют от счастья, что есть на земле люди, которые знают этого художника!

Да, вы с первого взгляда определили, что это Оскар Кокошка и его автопортрет 1937 года. Если точнее, то «Автопортрет художника-дегенерата». 1937 год вообще мало кого пощадил.

Не исключено, что боксеров много кто писал, но угадать нужно было этого художника. И вы справились — это Джордж Беллоуз, «Искусство бокса» 1917 года.

Джордж Уэсли Беллоуз родился в 1882 году в городе Колумбус (Огайо). С 1901 по 1904 год посещал Университет штата Огайо и серьёзно занимался бейсболом. Однако карьере профессионального спортсмена он предпочёл изучение живописи в Нью-йоркской школе искусств под руководством Роберта Генри. В эти годы он сближается с художниками «Школы мусорных вёдер», основанной Генри, и его же группой «Восемь».

Это, конечно же, родители Отто Дикса, которых он и написал в  1921 году. И вы их откуда-то знаете. Ура.

Конечно ее написал Отто Дикс, вам ли не знать! Это «Портрет журналистки Сильвии фон Харден» 1926 года.

Неизвестно, в каком именно зале «Романишес кафе» допоздна засиделась журналистка Сильвия фон Харден в 1926 году, но 35 лет спустя она напишет, что именно там встретила Отто Дикса, который взял её с собой в мировую культуру.

Сильвия описала их встречу, возможно, в несколько приукрашенной манере: Он заметил её в кафе, Она вышла на улицу, Он последовал за ней и начал уговаривать её позировать для портрета. Сильвия спросила: «Вы хотите нарисовать мои тусклые глаза, слишком крупные уши, мой длинный нос и тонкие губы, вы хотите нарисовать мои большие ладони, короткие ноги, мои большие ступни — всё то, что отпугнёт любого и не понравится никому?» На что Отто ответил: «Вы прекрасно себя описали, и всё это станет портретом воплощения эпохи, портретом, который запечатлеет не внешнюю красоту женщины, а её психологическое состояние».

Вы узнали Отто Дикса! Вы случайно не в музее выросли?

Это картина Отто Дикса «К красоте» 1922 года, вы совершенно правы.

Это было нелегко. Жоржа Брака знают далеко не все. Но вы справились.

Это Жорж Брак, «Эстак» 1906 года. Пожалуй, этого достаточно.

Пикассо конечно! Даже хвалить не будем, ибо каждый уважающий себя искусствовед в пятом поколении знает Пикассо и его «Авиньонских девиц» 1907 года. Картину, с которой начался кубизм.

По одной из версий, «сюжет» картины навеян борделем в барселонском Готическом квартале на улице Каррер д’Авиньо. На полотне изображено пять обнажённых женщин, написанных в разной манере. Две правые фигуры с лицами, напоминающими африканские маски, знаменуют собой рождение нового течения в живописи, кубизма.

Кто-кто. Кандинский конечно, вот кто! Впрочем, кому мы рассказываем? Вы и так знаете, что это «Деревенская улица в Мурнау» Василия Кандинского, какой он увидел ее в 1908 году.

Надеемся, с тех пор она изменилась.

Да, это Луиджи Руссоло и «Восстание» 1911 года. А как вы угадали? Хотя что мы спрашиваем, кто же не знает Луиджи Руссоло?

Вы серьезно знаете, что это Кес ван Донген и «Женщина в черной шляпе» 1908 года? Да вы шайтан.

Да Матисс конечно! Анри Матисс, «Роскошь, покой и наслаждение» 1904 года.

Картина «Роскошь, покой, наслаждение» наполнена ощущением неги и райского блаженства – позднее, попытавшись найти рай на Таити, Матисс окончательно убедится, что рай на Земле может создать только художник. Перед нами – одна из первых попыток создания рая. Позы обнаженных женщин праздны и изнеженны, на скатерти, расстеленной прямо на земле, вино и фрукты. Название апеллирует к стихотворению Бодлера «Приглашение к путешествию». Так, для общей информации.

В студию не получится, но Анри Матисса вы угадали! «Женщина в зеленой шляпе» 1905 года.

На портрете Матисс изобразил свою жену Амели. Смелое, невиданное досель сочетание красок образует удивительную гармонию и одновременно дает понять, почему это направление нарекли фовизмом (les fauves — дикий). Теплые киноварь, кармин, марена уравновешиваются ледяным изумрудно-зеленый, фиолетовым, кобальтовым. Разве женщина может быть такой? Но цвет у Матисса – это всегда цвет преображенный, это не цвет быта, это цвет живописи, что подтверждает его знаменитое высказывание: «Я создаю не женщину, я создаю картину». Как романтично-то.