Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Эпоха Возрождения — одна из самых ярких в истории человечества. Она не только дала толчок к развитию изобразительного искусства, но заложила основы дальнейшего развития европейской культуры Нового времени. Идеологической базой Возрождения стал гуманизм — течение общественной мысли, которое зародилось в 14 веке в Италии, а затем на протяжении второй половины 15 — 16 века распространилось в других европейских странах, провозгласившее высшей ценностью человека и его благо. Гуманисты считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности. Наиболее ярко и полно воплотились идеи гуманизма в изобразительном искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями.

Источником знаний и образцом художественного творчества для гуманистов была античность. Несмотря на декларируемое гуманистами возвращение к классической древности в противопоставлении «варварству» средневековой культуры, искусство Ренессанса во многом сохранило преемственность по отношению к предшествовавшей художественной традиции.

В новую эпоху на первое место выступает творческая индивидуальность художника, деятельность которого в то время была на редкость многообразной. Поражает разносторонняя одаренность мастеров Ренессанса — они часто работали в различных областях, совмещая занятия живописью, скульптурой, архитектурой с увлечением литературой, поэзией и философией, с занятиями точными науками. Выражение «человек Возрождения», «ренессансная личность», обозначающее разносторонне одаренную личность, стало впоследствии нарицательным.

Формирование ренессансной культуры в Италии происходило в экономически независимых городах. В подъеме и расцвете искусства Возрождения большую роль сыграли Церковь и великолепные дворы некоронованных государей (правящих богатых семейств) — крупнейших покровителей и заказчиков произведений живописи, скульптуры и архитектуры. Главными центрами культуры Возрождения сначала были города Флоренция, Сиена, Пиза, затем — Падуя, Феррара, Генуя, Милан и позже всех, во второй половине 15 века, богатая купеческая Венеция. В 16 веке столицей итальянского Возрождения стал Рим. Впоследствии местные центры искусства, кроме Венеции, утратили прежнее значение.

В эпохе итальянского Возрождения принято выделять несколько периодов:

1. Проторенессанс (вторая половина 13 — 14 век),
2. Раннее Возрождение (15 век),
3. Высокое Возрождение (конец 15 — первые десятилетия 16 века)
4. Позднее Возрождение (последние две трети 16 века).

ПРОТОРЕНЕССАНС

В итальянской культуре 13 — 14 веков уже начали появляться черты нового искусства. «Последний поэт Средневековья» и первый поэт новой эпохи Данте Алигьери (1265 — 1321) создал итальянский литературный язык. Начатое Данте продолжили другие великие флорентийцы 14 столетия — Франческо Петрарка (1304 — 1374), родоначальник европейской лирической поэзии, и Джованни Боккаччо (1313 — 1375), основоположник жанра новеллы. Гордостью эпохи являются архитекторы и скульпторы Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио и живописец Джотто ди Бондоне.

Итальянская архитектура долго следовала средневековым традициям, что выражалось в основном в использовании многих мотивов готики — крупных, спокойных форм, горизонтального членения внутреннего пространства, широких поверхностей стен. Раньше, чем в архитектуре и живописи, новые художественные тенденции наметились в скульптуре. Ярче всего это проявилось в работах скульпторов пизанской школы, основателем которой был Никколо Пизано (около 1220 — между 1278 и 1284).

Его творчество развивалось под влиянием античной традиции, он, несомненно, изучал скульптурное оформление позднеримских и раннехристианских саркофагов. Шестигранная мраморная кафедра (1260), выполненная им для баптистерия в Пизе, стала выдающимся достижением ренессансной скульптуры и повлияла на ее дальнейшее формирование. Главным достижением ваятеля стало то, что он сумел придать формам объем и выразительность, а каждому изображению — телесную мощь. Образы Пизано статичны, величавы и бесстрастны. Из мастерской Никколо Пизано вышли замечательные мастера скульптуры Проторенессанса — его сын Джованни Пизано и Арнольфо ди Камбио, известный и как архитектор.

Одним из самых ценных источников сведений о жизни и творчестве итальянских художников Возрождения служит внушительный труд «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550), принадлежащий перу Джорджо Вазари (1511 — 1574), итальянского архитектора, живописца и историка искусства. Первое жизнеописание в книге Вазари посвящено Чимабуэ (около 1240 — около 1302), которого он назвал родоначальником нового итальянского стиля живописи. Чимабуэ был знаменит во Флоренции как мастер торжественной алтарной картины и иконы. Его образам свойственны отвлеченность и статичность. Хотя в своем творчестве Чимабуэ следовал византийским традициям, он старался выразить земные чувства, смягчить жесткость византийского канона.

Одним из учеников Чимабуэ был Джотто ди Бондоне. Наиболее известные произведения Джотто — фрески в капелле дель Арена в Падуе (1304 — 1306), названной так потому, что на ее месте когда-то находился цирк. Сравнительно небольшая капелла имеет форму вытянутого прямоугольника. Впечатление простора и наполненности светом в сравнительно небольшом помещении возникает благодаря фрескам Джотто, их сияющим краскам и ясности форм — на холодновато синем фоне выделяются фигуры, написанные в желтых, розовых, зеленых тонах. Роспись посвящена жизни Богоматери и Христа. На стене у входа помещен «Страшный суд», напротив находится «Благовещение»; на длинных стенах расположены в три ряда самостоятельные композиции, связанные между собой как фрагменты одного рассказа. Повествование неторопливо и незамысловато, исполнено спокойного достоинства. Образы Джотто естественны, человечны, сдержанны, лица однотипны, детали скупы. При этом, используя язык жестов, движений, обобщенных силуэтов, художнику удалось передать различные оттенки чувств и душевных состояний. Каждая композиция, являясь частью целого, может восприниматься и как самостоятельное произведение. Новаторское значение искусства Джотто осознали уже его современники, оно привлекало к себе большое внимание и в последующие века.

Дуччо ди Буонинсенья (около 1255 — 1320), старший современник Джотто и основатель сиенской школы живописи, в своем творчестве придерживался традиций византийской иконописи. Его крупнейшая работа — огромный алтарный образ «Маэста» («Величие»). В центре вытянутой горизонтальной композиции восседает на троне Мадонна с Младенцем, которых окружают святые и ангелы; вокруг расположены также отдельные, меньшие по размерам сцены на сюжеты из жизни Богоматери и Христа. Оборотная сторона доски состояла из множества небольших, полных драматизма изображений на темы Страстей Господних.

К кругу Дуччо принадлежал Симоне Мартини (около 1284 — 1344). Он увлекался светской позднеготической культурой, рыцарской поэзией, французской миниатюрой; работал в Сиене, Ассизи, Неаполе, а в последние годы жизни — при папском дворе в Авиньоне, где стал другом Петрарки. Для палаццо Публико города Сиена он создал несколько фресок. На одной из них — большой фреске «Маэста» (1315) — под сенью легкого розового балдахина с алыми и белыми кистями Мадонна с Младенцем, а также окружающие ее святые и ангелы образуют изящную группу. На противоположной стене зала художник поместил темную фреску иного характера. В истории искусства она стала первым изображением конкретного исторического события с портретом современника, который, к тому же, явился прототипом будущих конных монументов. В верхней части стены изображен на коне кондотьер Гвидориччо де Фольяни. Его лицу мастер придал портретные черты. Одеяние прямо держащегося в седле всадника и попона лошади имеют одинаковый узор из крупных темно-синих ромбов на желтом фоне. Узор как бы объединяет всадника и животное в одно существо.

РАННЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

В 15 веке искусство Италии заняло господствующее положение в художественной жизни Европы. Основы гуманистической светской культуры были заложены во Флоренции. Политическая власть принадлежала здесь купцам и ремесленникам, особое влияние на городские дела оказывали несколько богатейших семейств, постоянно соперничавших друг с другом. Эта борьба закончилась в конце 14 века победой дома Медичи. Его глава, Козимо Медичи, стал негласным правителем Флоренции. Ко двору Медичи стекались писатели, поэты, ученые, архитекторы и художники. В архитектуре тогда произошел подлинный переворот. Во Флоренции развернулось широкое строительство, на глазах менявшее облик города.

Уроженцем Флоренции был Филиппо Брунеллески (1377 — 1446), родоначальник ренессансной архитектуры Италии, один из создателей научной теории перспективы. Разносторонне одаренный, получивший широкое гуманистическое образование, он первоначально работал как скульптор и участвовал в конкурсе 1401 года на лучший проект бронзовых рельефов для дверей флорентийского баптистерия. Раннее творение Брунеллески — купол собора Санта Мария дель Фьоре во Флоренции. Архитектору предстояло перекрыть без возведения лесов огромный пролет купола (диаметр основания 42 метра). Зодчий изобрел необычайно сложную для своего времени конструкцию: легкий пустотелый купол с двойной оболочкой и каркасом из восьми ребер, который опоясывали кольца. Грандиозный купол, покрытый темно-красной черепицей, связанный крепкими белыми ребрами и увенчанный изящным беломраморным световым фонарем, торжественно парит над городом как величественный образ Флоренции. Творение Брунеллески — предшественник многочисленных купольных храмов в Италии и других странах Европы.

Следующий этап развития итальянской архитектуры 15 века связан с именем Леона Баттисты Альберти (1404 — 1472), философа и ученого. По многогранности деятельности и интересов, охватывавших гуманитарные и точные науки, экономику, философию, поэзию, музыку, живопись, скульптуру, архитектуру, Альберти — идеальная «ренессансная личность», сравнимая лишь со всемирно известным мыслителем и художником классического Возрождения Леонардо да Винчи. Страстный поклонник античности, Альберти создал в 1430-х годах «Описание города Рима», составив его первую топографическую карту, и написал свой знаменитый трактат «Десять книг о зодчестве» (1449 — 1452). Ранее им были созданы трактаты «О живописи» и «О статуе» (1435 — 1436). В Италии и за ее пределами Альберти снискал себе славу выдающегося теоретика искусства. И все же его главным призванием оставалась архитектура, хотя зодчему далеко не всегда удавалось осуществить свои смелые идеи. Полнее всего оригинальный замысел Альберти удалось выразить во флорентийском палаццо Ручеллаи (1446 — 1451), которое завершил его помощник известный архитектор Бернардо Росселино. Общая композиция здания традиционна, зато фасад приобрел новые черты. Стена выложена гладкими отшлифованными каменными блоками, украшена пилястрами. Работая в Мантуе над строительством церкви Санта Андреа (была завершена после смерти зодчего), Альберти полностью отошел от готических принципов. Огромный фасад церкви напоминает триумфальную арку. Такой же прием Альберти использовал ранее в церкви Сан Франческо в городе Римини, превращенной им по заказу правителя Сиджизмондо Малатеста в усыпальницу, так называемую Темпио Малатестиано (здание не было завершено). Многие постройки Леона Баттисты Альберти оформлены системой большого ордера (колонны и пилястры располагаются по всей поверхности фасада от низа до верха), которая будет использоваться Микеланджело и Палладио.

В 15 веке переживала расцвет и итальянская скульптура. Она приобрела самостоятельное, независимое от архитектуры значение, в ней появились новые жанры. В практику художественной жизни начинали входить заказы богатых купеческих и ремесленных кругов на украшение общественных зданий. В 1401 году был объявлен конкурс на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия. Победил на конкурсе блестящий рисовальщик Лоренцо Гиберти (около 1381 — 1455). Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, Гиберти, в творчестве которого главным были равновесие и гармония всех элементов изображения, посвятил жизнь одному виду скульптуры — рельефу. Вершиной его творчества, воплотившей результаты его исканий, стали восточные двери флорентийского баптистерия (1425 — 1452), которые Микеланджело назвал «Вратами рая» Составляющие их десять квадратных композиций из позолоченной бронзы передают глубину пространства, в которой сливаются фигуры, природа и архитектура. Своей выразительностью они напоминают живописные картины.

Из мастерской Гиберти вышел будущий великий реформатор итальянской скульптуры Донато ди Никколо ди Бетто Барди, прозванный Донателло (около 1386 — 1466). Донателло старался передать в искусстве жизненную правду, одновременно придавая своим работам черты возвышенной героики. Эти характерные особенности проявились уже в ранних работах мастера — статуях святых, предназначенных для наружных ниш фасадов церкви Ор Сан Микеле во Флоренции, и ветхозаветных пророков флорентийской кампанилы. В 1430 году Донателло создал «Давида» — первую в итальянской скульптуре Возрождения статую обнаженного человека, предназначавшуюся для фонтана во внутреннем дворе палаццо Медичи. Библейский пастух, победитель великана Голиафа, — один из излюбленных образов Ренессанса. Изображая его юношеское тело, Донателло, несомненно, исходил из античных образцов, но переработал их в духе своего времени. Задумчивый и спокойный Давид в пастушьей шляпе, затеняющей его лицо, попирает ногой голову Голиафа и словно не сознает еще совершенного им подвига.

Второе поколение флорентийских скульпторов тяготело к более лирическому, светскому искусству. Ведущая роль в нем принадлежала семье скульпторов делла Роббиа. Глава семьи Лукка делла Роббиа (1399 или 1400 — 1482), современник Брунеллески и Донателло, прославился применением глазурной техники в круглой скульптуре и рельефе, часто сочетая их с архитектурой. Лукка делла Роббиа создавал медальоны с рельефами на густо-синем фоне для зданий и алтарей, гирлянды из цветов и плодов, майоликовые бюсты Мадонны, Христа, Иоанна Крестителя. Жизнерадостное, нарядное, доброе искусство этого мастера получило заслуженное признание современников. Большого совершенства в технике майолики достиг также его племянник Андреа делла Роббиа (1435 — 1525).

Огромная роль, которую в архитектуре раннего Возрождения сыграл Брунеллески, а в скульптуре — Донателло, в живописи принадлежала Мазаччо. Брунеллески и Донателло переживали творческий расцвет, когда родился Мазаччо (1401 — 1428). Он умер молодым, не дожив до 27 лет, и все же успел сделать в живописи целый ряд открытий. Классическим образцом алтарной композиции стала его «Троица» (1427 — 1428), созданная для церкви Санта Мария Новелла во Флоренции. На фреске представлены распятие, фигуры Марии и Иоанна Крестителя, которых осеняет образ Бога Отца. На переднем плане запечатлены коленопреклоненные заказчики, как бы находящиеся в самом помещении церкви. Величавая отрешенность образов сочетается здесь с невиданной до тех пор реалистичностью в передаче пространства и архитектуры, с объемностью фигур, выразительной портретной характеристикой лиц заказчиков и с удивительным по силе чувства образом Богоматери.

В творчестве современника Мазаччо Паоло Уччелло (1397 — 1475) тяга к нарядной сказочности приобретала подчас наивный оттенок. Эта особенность творческого стиля художника стала его своеобразной визитной карточкой. Но в творчестве Уччелло своенравная фантазия сочеталась со страстью изучения перспективы. Он вошел в историю как один из тех живописцев, кто впервые стал применять в своих полотнах линейную перспективe. Смелые искания Уччелло нашли выражение в трех его известных картинах, заказанных Козимо Медичи и посвященных битве флорентийцев с сиенскими войсками при Сан-Романо. Художник изобразил, как на фоне игрушечного пейзажа сошлись в ожесточенной схватке всадники и воины, перемешались копья, щиты, древки знамен. В целом картина производит впечатление условной, застывшей, на редкость красивой, поблескивающей золотом декорацией с фигурами коней красного, розового и даже голубого цвета.

Светское начало, стремление к увлекательному повествованию, лирическое земное чувство нашли выражение в произведениях Фра Филиппо Липпи (1406 — 1469), монаха ордена кармелитов. Обаятельный мастер, автор многих алтарных картин, среди которых лучшей считается картина «Поклонение Младенцу», написанная для капеллы в палаццо Медичи, Филиппо Липпи сумел передать в них человеческую теплоту и поэтическую любовь к природе.

Несколько особняком в истории флорентийской школы стоит творчество Доменико Венециано (до 1410 — 1461). В его картинах (среди которых «Мадонна с четырьмя святыми», созданная около 1445) господствуют тонкая и воздушная гармония красок, серебристый свет. С его именем связывают изысканные профильные женские портреты.

Мастерство Венециано как замечательного колориста не оказало заметного влияния на живопись Флоренции, но получило дальнейшее развитие в творчестве его великого ученика — Пьеро делла Франческа (около 1420 — 1492), крупнейшего художника и теоретика Возрождения. Самое замечательное создание Пьеро делла Франческа — его фрески в алтаре церкви Сан Франческо в Ареццо (1452 — 1466). Они посвящены истории креста, на котором был распят Христос, рассказанной в популярной в то время «Золотой легенде» итальянского монаха 13 века Якопо де Вораджине. В узкой готической капелле с высоким окном художнику пришлось расположить фрески в три яруса. В размещении сцен мастер не следовал строго за нитью повествования, а стремился создать общее композиционное единство, фресковый ансамбль, рассчитанный на единовременное обозрение. Фрески производят необычайно сильное впечатление. Алтарь из-за сочетания почти не приглушенных тенями красок — голубых, розовых, светло и темно-зеленых, желтых и вишнево-красных — кажется залитым светом. Господствуют голубые и синие тона — даже вороные лошади написаны темно-синим, а не черным. Сочетание объемности и в то же время плоскостности в изображении — одна из удивительных особенностей искусства Пьеро делла Франческа, который, строго соблюдая законы перспективы, не создавал иллюзии глубины пространства.

Во второй половине 15 столетия в Северной Италии в городах Вероне, Ферраре, Венеции работали многие прекрасные мастера. Среди живописцев наиболее знаменит Андреа Мантенья (1431 — 1506). Он стремился создавать такие образы, в которых соединялись черты античных героев и людей эпохи Возрождения. Наибольшую известность Мантенье принесли многочисленные росписи дворцовых покоев. Из всех его работ до нас дошли девять полотен «Триумфа Цезаря» в Риме и фрески «Камеры дельи Спози» Мантуанского дворца (1465 — 1474), ставшие основным вкладом этого художника в монументальную живопись эпохи Возрождения. В тот период Мантенья вновь вернулся к своей любимой античной теме: на больших полотнах, написанных гризайлью, он словно воссоздал древнеримские рельефы. Пользовавшееся огромной известностью искусство Мантеньи оказало влияние на всю североитальянскую живопись.

Особое место в живописи раннего Возрождения принадлежит Сандро Боттичелли (1445 — 1510). Его имя стало известно благодаря картине «Поклонение волхвов» (1476), на которой изображены три поколения правителей Флоренции — Медичи. Его знаменитые картины зрелого периода «Весна» (около 1477 — 1478) и «Рождение Венеры» (1483 — 1484) навеяны стихами выдающегося гуманиста Анджело Полициано. Аллегорическая картина «Весна«, написанная для украшения виллы Медичи, принадлежит к числу наиболее сложных произведений Боттичелли. В «Рождении Венеры» впервые со времен античности богиня изображена обнаженной, а ее поза напоминает классические статуи. Благодаря поверхностной моделировке и четкости контуров изображение кажется барельефным, лишенным трехмерности. Художник не придает значения глубине пространства, но в картине ощущается свобода движения, а тела обладают чувственной красотой. В начале 1490-х годов в творчестве Боттичелли произошел решительный перелом. На него оказали сильнейшее влияние страстные проповеди доминиканского монаха Савонаролы, обличавшего папство, аристократию, богатство и гуманистическую культуру. Когда в 1494 году Медичи были изгнаны из Флоренции, а во главе республики фактически оказался Савонарола, Флоренцию охватил религиозный фанатизм. На улицах запылали костры, в которых горели предметы роскоши и даже произведения искусства. Боттичелли мучительно метался между гуманистической ренессансной культурой художественного кружка при дворе Медичи и призывами к аскетизму Савонаролы. Сильное впечатление на художника произвела казнь монаха, обвиненного в ереси: он был повешен перед Палаццо Веккьо, а затем сожжен на костре.

В поздний период творчества Боттичелли обращался к религиозным сюжетам трагического характера. К ним относятся две картины «Оплакивание Христа» (около 1500 года).

ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

Высокое Возрождение, которое дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Джорджоне, Тициан Вечелио, Донато Браманте, охватывает сравнительно короткий период — от конца 15 века до конца второго десятилетия — середины 16 века. Научные открытия расширили представления людей о мире — не только о земле, но и о Космосе. Восприятие мира и человеческой личности как будто укрупнилось; в художественном творчестве это отразилось не только в величественных масштабах архитектурных сооружений, монументов, торжественных фресковых циклов и картин, но и в их содержании, выразительности образов, изобразительный язык стал обобщенным и сдержанным. Центром строительства в эпоиху Высокого Возрождения стал Рим, где сложился единый классический стиль. Мастера творчески использовали античную ордерную систему, создавая сооружения, величественная монументальность которых была созвучна эпохе.

ДОНАТО БРАМАНТЕ

Донато Браманте (1444 — 1514) начинал творческую деятельность как живописец. Как на архитектора на него оказали сильнейшее влияние градостроительные идеи Леонардо да Винчи. В течение 20 лет Браманте работал в Милане и возвел несколько великолепных зданий. Одно из самых значительных — перестроенная по приказу Лодовико Моро алтарная часть церкви Санта Мария делла Грацие. В этой постройке Браманте с редким изяществом соединил местные ломбардские традиции с античной ордерной архитектурой. Наибольших высот архитектор достиг во время работы в Риме, куда он переехал в 1499 году. Именно там искусство Браманте приобрело классическую чистоту, монументальность, пластическое совершенство. Зодчему пришлось завершать начатый другим архитектором фасад палаццо Канчеллария. Благодаря огромной, четко расчлененной поверхности фасада с плоским рустом величественный дворец приобрел черты общественного сооружения. Безупречный по очертанию стройных арок большой красивый прямоугольный внутренний двор был целиком создан Браманте. Начало новому классическому стилю положил маленький круглый Темпьетто (храмик), воздвигнутый зодчим в 1502 году во дворе монастыря Сан Пьетро ин Монторио. В этом скромном по размерам памятнике была осуществлена идея центрического купольного сооружения.

С восшествием на папский престол Юлия II — человека энергичного, который к тому же заботился о возвеличении Папского государства, — началась пора перестройки и украшения Рима; Браманте стал главным папским архитектором. В 1505 году приступили к созданию дворцового комплекса в Ватикане. Браманте намеревался построить систему дворцовых зданий и дворов, начиная от двора Сан Дамазо до Бельведера, который служил для турниров, шествий, праздничных зрелищ. Но при жизни архитектора это колоссальное сооружение не было полностью возведено; ныне двор расчленен возведенными позднее зданиями. Браманте стал первым архитектором собора Святого Петра, который было решено построить на месте обветшавшей базилики. В этом здании, призванном своим великолепием затмить все памятники древнего Рима, должна была получить самое совершенное воплощение идея центрально-купольного храма. Замысел архитектора обладал поистине имперским величием. План сооружения представлял собой греческий крест, вписанный в квадрат с огромным полусферическим куполом над средокрестием, четырьмя малыми куполами и высокими башнями по углам. Все четыре фасада должны были быть одинаковыми, с преобладанием строго классических форм.

ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ

В истории человечества нелегко найти столь же гениальную личность, как Леонардо да Винчи (1452 — 1519). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника и ученого стал ясен только тогда, когда были проанализированы разрозненные документы его наследия. Несмотря на многочисленные исследования, посвященные различным сторонам деятельности Леонардо, многое в его творчестве остается загадочным и продолжает волновать умы людей.

Вскоре после переезда из Флоренции в Милан Леонардо пишет «Мадонну в скалах», где использует очень необычный сюжет поклонения младенца Иоанна младенцу Христу в присутствии Богоматери и ангела. Фигуры и лица окутаны воздушной дымкой, придающей им особую мягкость. Итальянцы этот прием Леонардо называли «сфумато». В Милане, по-видимому, мастер создал и полотно «Мадонна с Младенцем» («Мадонна Литта»). Здесь он стремился к большей обобщенности и идеальности образа. Изображен не определенный момент, а некое длительное состояние спокойной радости, в которое погружена прекрасная молодая женщина, кормящая грудью ребенка. Иной, драматический настрой отличает монументальную роспись Леонардо «Тайная вечеря», исполненную им в 1495 — 1497 годах для трапезной церкви Санта Мария делла Грацие в Милане. Неудовлетворенный ограниченными возможностями традиционной техники фресковой живописи, Леонардо в виде эксперимента использовал в этой работе смесь масла и темперы, которая плохо держалась на поверхности стены. Поэтому еще при жизни мастера краски начали осыпаться. Но и сейчас еще можно судить о сильнейшем впечатлении, которое она некогда производила на зрителей. Фреска огромна — 4,6 на 8,8 м, занимает всю торцевую стену трапезной. Поражает в первую очередь ее строгая уравновешенность. Архитектура играет роль фона, подчиненного расположению фигур — прием, обратный тому, что было принято в эпоху раннего Возрождения. Очевидно, художник хотел придать всей сцене компактность, причем не только внешнюю, но и внутреннюю, для чего разделил композицию на несколько уровней значения. Изображена драматическая кульминация трапезы, когда Христос произнес роковые слова: «Один из вас предаст меня». На эти слова каждый из апостолов реагирует по-своему, проявляя свой характер, свое собственное отношение к Спасителю. Изображенные на фреске апостолы подтверждают слова Леонардо — наивысшая и наиболее трудная задача живописца заключается в изображении «намерения человеческой души» с помощью жестов, движений рук и ног.

Когда в 1499 году Милан был взят французскими войсками, Леонардо покинул город. Началась пора его скитаний. Некоторое время он работал во Флоренции. Там творчество художника словно озарила яркая вспышка: он написал портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джокондо (около 1503). Изысканное сфумато доведено здесь до предельного совершенства. Формы смоделированы последовательным нанесением прозрачных красочных слоев, благодаря чему возникает эффект внутреннего свечения картины. Но в большей степени зрителя завораживает обаяние модели. Художник в этой работе вновь создает гармонию двух противоположных начал — идеализированного образа и портрета реальной женщины.

Нельзя себе представить, что Леонардо да Винчи мог жить и творить в другую эпоху. И, тем не менее, его личность выходила за ее пределы. О масштабе и уникальности его дарования позволяют судить рисунки мастера, наброски, схемы, неразрывно связанные не только с рукописями, посвященными точным наукам, но и с работами по теории искусства. В знаменитом «Трактате о живописи» (1498) и других его записях большое внимание уделено изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Много места отдано проблемам передачи светотени, объемной моделировке, линейной и воздушной перспективе.

РАФАЭЛЬ

С творчеством Рафаэля Санти (1483 — 1520) в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии, это был художник, открытый миру (в противоположность гению-одиночке Микеланджело). Гений Рафаэля обладал необыкновенной способностью к синтезу, что позволило ему, объединив достижения Леонардо и Микеланджело, создать искусство, проникнутое одновременно лиризмом и драматизмом, поражающее богатством использованных живописных средств и скульптурной моделировкой форм. Настроение душевной чистоты, еще несколько наивное в одной из его первых небольших картин — «Мадонна Конестабиле» (1502 — 1503), — приобрело возвышенный характер в лучшем произведении раннего периода Рафаэля — «Обручение Марии» (1504). Происходящая на фоне чудесной архитектуры сцена обручения Марии и Иосифа представляет собой образ высокой красоты. Выразительны, певучи, метки и пластичны их движения, позы и жесты героев, например, сближающиеся руки Марии и Иосифа. Успехи Рафаэля были настолько значительны, что в 1508 году его пригласили к папскому двору в Рим. Художник получил заказ на роспись парадных апартаментов Папы, так называемых станц (комнат) в Ватиканском дворце. Росписи ватиканских станц (1509 — 1517) принесли Рафаэлю славу, выдвинули его в ведущие мастера не только Рима, но и всей Италии.

В первой из комнат, Станце делла Сеньятура, по-видимому, находилась папская библиотека, и в своих росписях, покрывающих стены и потолок, художник представил четыре области духовной деятельности человека: богословие, философию, юриспруденцию и поэзию. Из этих фресок «Афинская школа» долгое время считалась шедевром Рафаэля. На ней изображена философская школа города Афины: Платон и Аристотель стоят в окружении известных греческих философов, каждому из которых придана своя поза. Тело и дух, действие и чувство приведены здесь в полную гармонию, каждому персонажу отведена его собственная роль. В целом по своему духу фреска тяготеет к «Тайной вечере» Леонардо.

Рафаэль был замечательным мастером рисунка. Здесь ярко проявилось его безупречное, легкое, свободное чувство линии. Значительный вклад он внес и в архитектуру. Само имя Рафаэля в дальнейшем стало олицетворением идеального, наделенного божественным даром художника.

МИКЕЛАНДЖЕЛО

Представление о гениальности как о божественном вдохновении, о сверхчеловеческой способности, дарованной нескольким избранным личностям и через них себя проявляющей, наиболее полно иллюстрируется жизнью и творчеством Микеланджело Буонарроти (1475 — 1564). Он был убежден, что создание образа человека является наивысшим средством самовыражения, и в этом он ближе к античной скульптуре, чем другие ренессансные художники. Его самое известное произведение первого римского периода — «Пьета» («Оплакивание Христа», созданное в 1498 — 1501 годах) в капелле собора Святого Петра. На коленях Марии распростерто безжизненное тело Христа. Горе матери светло и возвышенно, лишь в жесте левой руки словно выплескивается наружу душевное страдание. Вернувшись во Флоренцию в 1501 году, Микеланджело принялся за исполнение монументальной мраморной статуи Давида (1501 — 1504). Статуя достигает пяти с половиной метров высоты. Не изображая головы поверженного Голиафа, скульптор сумел создать образ не героя-победителя, но защитника города. В статуе спокойствие сочетается с внутренней напряженностью, она выражает столь характерное для Микеланджело «действие в покое».

Микеланджело считал себя скульптором, что, однако, не помешало ему быть великим живописцем и архитектором. Самое грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения — роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, выполненная в 1508 — 1512 годах. Плафон представляет собой грандиозный ансамбль, включающий сотни фигур, ритмично размещенных в отведенных им полях, на которые художник расчленил свод капеллы. Роспись потолка поражает внутренним единством гигантской композиции.

ДЖОРДЖОНЕ

Наивысшего расцвета в 16 веке достигла венецианская живопись с ее богатыми традициями, созданными мастерами предшествующего столетия. Джордже Барбарелли да Кастельфранко, прозванный Джорджоне (1476 или 1477 — 1510) сформировался в среде венецианских гуманистов. Он писал картины для ценителей искусства и частных коллекций, однако его крупные работы, выполненные по заказам, не сохранились. Известно лишь несколько картин мастера, написанных маслом. Джорджоне — художник тонкой поэзии, глубокого лирического чувства, скрытых переживаний. В его картинах нет ни сюжета, ни активного действия. Но его творчество полно пленительной красоты, сохраняет вечную волнующую привлекательность. Главную роль в его живописи играет колорит с многообразием тонов и их мягкими переливами. Одна из ранних работ Джорджоне — «Юдифь» (около 1502) — посвящена подвигу библейской героини Юдифи, спасшей родной город от нашествия ассирийцев. Прекрасная кроткая Юдифь олицетворяет в картине высшую справедливость.

Герои Джорджоне чаще всего пребывают в раздумье, погружены в созерцание собственного внутреннего мира. Знаменитая картина «Гроза» (около 1505) полна таинственной поэтичности, которой подчинены не столько люди, сколько сама природа, напряженно застывшая в ожидании грозы. Впервые в истории живописи пейзаж играет столь важную роль в картине, как бы отражая душевное состояние героев. В 1507 — 1508 годах Джорджоне создал картину «Спящая Венера» — самый прекрасный женский образ в искусстве Высокого Возрождения. В расцвете творческих сил он умер от чумы, не успев завершить свою великую картину, и пейзаж в ней дописывал Тициан.

ТИЦИАН

В отличие от рано ушедшего из жизни Джорджоне, Тициан Вечеллио прожил почти столетие (1476 или 1477 — 1576). Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Он был одним из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и парадного. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим сильное воздействие на ее развитие в 17 столетии. Художника привлекали образы пышной женской красоты, как, например, в самой известной его картине раннего периода «Любовь небесная и земная» (1515 — 1516). Полотно «Вакханалия«, написанное около 1518 года, является откровенно языческим по духу и было вдохновлено встреченным у античного автора описанием подобного празднества. Пейзаж, колорит которого построен на контрасте холодных и теплых тонов, обладает поэтичностью, присущей «Грозе» Джорджоне, но фигуры персонажей трактованы иначе. Энергичные, сильные и жизнерадостные, они движутся с полной раскованностью. Персонажи идеализированы настолько, чтобы убедить в своей принадлежности к ушедшим временам.

В последний период творчества, начиная с 1550-х годов, Тициана волновала трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий. В этот период он пишет картину «Бичевание Христа«, где освещенные во мраке пламенем факелов фигуры палачей, полных бессмысленной ярости, противопоставлены нравственной силе Христа. В картине «Святой Себастьян» герой, пронзенный стрелами, но не сломленный, словно возникает из хаоса Вселенной. Окружающий его мир охвачен грозным движением; колорит теряет яркость красок, становится почти монохромным, широкие свободные мазки сглаживают четкость очертаний, и живописная поверхность как будто вибрирует. Последняя большая алтарная картина Тициана — «Оплакивание Христа» (1573 — 1576). В сумеречном свете, на фоне грязной каменной ниши, группа близких застыла у тела Христа в безмолвной скорби. С криком отчаяния выбегает навстречу зрителю рыжеволосая Магдалина, жестом стремительно поднятой руки она словно призывает весь мир разделить безмерное горе.

Тициан пережил крушение ренессансных идеалов, творчество мастера принадлежит скорее уже позднему Возрождению. Его герой, вступающий в борьбу с враждебными силами и гибнущий, сохраняет свое величие.

ПОЗДНЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

Во второй половине 16 века в Италии нарастал упадок экономики и торговли, католицизм вступил в борьбу с гуманистической культурой, искусство переживало глубокий кризис. В нем укреплялись антиклассические тенденции. Однако они почти не затронули Венецию, которая во второй половине 16 столетия стала главным очагом позднеренессансного искусства, давшей миру таких великих мастеров как Андреа Палладио, Паоло Веронезе, Якопо Тинторетто.

АНДРЕА ПАЛЛАДИО

Андреа Палладио (1508 — 1580) — крупнейший ренессансный архитектор Северной Италии в эпоху позднего Возрождения. Он родился в Падуе, большое влияние на него оказали североитальянские гуманисты. Поэт Джанджорджо Триссино из Виченцы дал ему прозвище Палладио (от имени греческой богини Афины Паллады), потому что считал этого юношу способным возродить красоту и мудрость древних греков. Палладио заложил принципы зодчества, которые были развиты в архитектуре европейского классицизма 17 — 18 веков и получили название палладианства. Свои идеи он изложил в теоретическом труде «Четыре книги об архитектуре» (1570). Он считал, что произведения архитектуры должны создаваться по законам разума и в соответствии с определенными универсальными правилами. Образцом для любого зодчего остаются произведения античных строителей. Композиции Палладио исполнены естественности, покоя, завершенности, строгой упорядоченности; ясна и целесообразна планировка зданий, связанных с окружающей средой. Постройки Палладио украсили Виченцу, Венецию и прилегающие к ним загородные местности. Архитектура вилл, построенных Палладио, необычайно разнообразна. Но их объединяют общие принципы, отвечающие требованиям удобства, чувству меры, симметрии и свободы композиции, гармонично связанной с окружающей природой. Самая знаменитая вилла «Ротонда» (1551 — 15б7) близ Виченцы стоит на открытой местности на холме. Она представляет собой кубический объем, увенчанный куполом, с одинаковыми портиками в виде фронтонов античных храмов со всех четырех сторон. При этом портики виллы прекрасно гармонируют со стеной позади них и являются неотъемлемой частью всего сооружения, придавая конструкции ощущение спокойного достоинства и праздничного изящества. Блестяще найденное Палладио композиционное и пластическое решение «Ротонды» послужило в будущем прообразом для многих храмов и мавзолеев.

ПАОЛО ВЕРОНЕЗЕ

Праздничный, жизнеутверждающий характер венецианского Возрождения наиболее ярко проявился в живописи Паоло Веронезе (1528 — 1588). В 1558 году художник получил приглашение принять участие в украшении Дворца дожей в Венеции, где он создал великолепные декоративные ансамбли настенных и плафонных росписей со множеством персонажей и занимательных деталей. Блестящий мастер колорита, Веронезе использовал насыщенные звучные цвета и тончайшие оттенки, объединенные общим серебристым тоном. Одна из лучших работ молодого Веронезе — росписи потолка церкви Сан Себастьяно в Венеции (1556 — 1557), посвященные истории библейской героини Эсфири. Мастер использовал эффект «прорыва» потолка, в результате чего перед зрителями «открывалось» голубое небо. Фигуры были изображены в головокружительных ракурсах.

В годы творческого расцвета Веронезе украсил росписями виллу Барбаро Вольпе в Мазере (15б0 — 15б1), построенную Андреа Палладио. Эти фрески стали одним из крупнейших достижений монументально-декоративной живописи. Центральное место в станковой живописи Паоло Веронезе занимают его знаменитые монументальные холсты на евангельские сюжеты. Эти произведения известны под общим названием «Пиры Веронезе» К ним относятся, в частности, картины «Брак в Кане» (1563) и «Пир в доме Левия» (1573).

ЯКОПО ТИНТОРЕТТО

Полной противоположностью Веронезе был его современник Тинторетто (1518 — 1594). Обилие внешних художественных воздействий растворилось в неповторимой творческой индивидуальности этого последнего из великих мастеров итальянского Возрождения. Вслед за поздним Микеланджело и Тицианом Тинторетто проложил новые пути в искусстве. Он острее и глубже, чем большинство его современников, ощущал трагизм своего времени. Мастер восстал против сложившихся в изобразительном искусстве традиций — соблюдения симметрии, строгого равновесия, статичности, расширил границы пространства, насытил его динамикой, драматичным действием, стал ярче выражать человеческие чувства. Славу Тинторетто принесла картина «Чудо Святого Марка» (1548). Выразительность форм и насыщенная цветовая гамма, сочетание крупных пятен красного и синего создают впечатление чуда, происходящего на глазах у смятенной толпы. Стремительно летящий вниз головой Святой Марк в развевающейся алой одежде останавливает казнь несправедливо осужденного. Реставрация последних десятилетий обнаружила во всем великолепии богатую красочную палитру мастера. В картине «Введение во храм» в церкви Санта Мария дель Орто (1555) художник выразительно и смело построил композицию по диагонали — самому динамичному приему в живописи. Тинторетто привлекали массовые сцены. Созданная им для Дворца дожей «Битва при Царе» (около 1585) занимает целую стену. В сущности, это первая подлинно историческая картина в европейской живописи. Для того чтобы передать в картине напряжение битвы, мастер использовал беспокойный ритм линий, цветовые удары, вспышки света.

ЭЛЬ ГРЕКО

Творчество Тинторетто завершает развитие художественной культуры Возрождения в Италии. Но нельзя не упомянуть еще одного художника, чье своеобразное творчество имело большое значение для искусства последующих эпох. Доменико Теотокопули (1541 — 1614), прозванный Эль Греко, уроженец греческого острова Крит, проведший большую часть жизни в Испании, тоже был представителем венецианской школы. Он усвоил уроки Тициана, Тинторетто, Рафаэля, Микеланджело и других мастеров, но на его творчество оказал влияние мистицизм, получивший широкое распространение именно в Испании. Это придало его работам высокую одухотворенность.

Самая впечатляющая по размерам и по силе воздействия из значительных работ Эль Греко — «Погребение графа Оргаса» (1586) в церкви Санто-Томе в Толедо. На огромном полотне прославляется добродетель и набожность усопшего вельможи, пожертвовавшего при жизни церкви большую часть своего состояния. В этом произведении художник демонстрирует высокое мастерство в передаче цвета, фактуры различных материалов; каждая деталь — облака, руки и ноги, развивающиеся одежды — участвует в вихреобразном движении. Для создания целостного образа экстатического видения художник использовал весь арсенал выразительных средств своего времени.

Образы, рожденные воображением Эль Греко, наделены некоей бестелесной одухотворенностью, и в этом их главное отличие от искусства эпохи Контрреформации в Испании с его физической убедительностью, почти осязаемостью.

СЕВЕРНОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ — нам не надо, прост для общего развития

Большинство художников 15 века, живших к северу от Альп, оставались равнодушными к итальянским формам и идеям. Но в 1500-х годах ситуация резко изменилась: в северные края хлынул поток произведений итальянского искусства. И на смену «поздней готике» постепенно пришло Северное Возрождение. Это довольно условный термин, так как характер объединяемых им художественных направлений был разнообразнее, чем в Италии в 16 веке. Различным был и характер влияния итальянских ренессансных произведений — тут были и Раннее, и Высокое, и Позднее Возрождение во всем многообразии региональных вариантов.

Матис Готхард Грюневальд (1480 — 1529) был заново открыт только в 20 столетии. Его главное произведение — Изенгеймский алтарь — уникальное для северного искусства того времени произведение. Оно поражает своей величественностью; особенно сильное впечатление остается от «Распятие». Вся композиция в целом создает ощущение единства преходящего и вечного, реального и символического.

Сильный отпечаток наложило итальянское искусство на творчество Альбрехта Дюрера (1471 — 1528). Разделяя точку зрения итальянских мастеров, что изобразительное искусство принадлежит к гуманитарным наукам, Дюрер перенял также и идеал художника как гуманного человека и ученого. Усердно пополняя свои интеллектуальные и творческие познания, он смог освоить за свою жизнь огромное множество тем и технических средств. А, будучи величайшим мастером гравюры того времени, Дюрер оказал широкое влияние на искусство 16 века через свои листы, которые получили распространение во всей Европе. Он был первым художником, неравнодушным к своему внешнему облику, чем он очень близок к духу Возрождения. Торжественная фронтальная поза и идеализация черт в автопортрете 1500 года говорят о незаурядной личности, совершенно не похожей на обычных портретируемых. В картине выразилось не столько тщеславие Дюрера, сколько та серьезность, с какой он воспринимал свою миссию художника-реформатора.
Лукас Кранах Старший (1472 — 1553) известен, прежде всего, своими портретами и восхитительно непоследовательными мифологическими сценами, в который получила воплощение особая северная трактовка идей гуманизма. Так, на картине «Суд Париса» главный герой изображен в виде немецкого рыцаря в модных доспехах, а три грации — в виде манерных, кокетливых обнаженных дам.

Для нидерландского художника Питера Брейгеля Старшего (1525 или 1530 — 1569) характерно обращение к пейзажу, крестьянской жизни и морально-аллегорическим композициям. В картине «Притча о слепых» (1568) чувствуется философское неприятие религиозного и политического фанатизма. Источник сюжета — Евангелие от Матфея (15, 12-19), но он многократно трактовался и пересказывался гуманистами как притча о человеческой глупости. Брейгелю удалось придать сюжету особенную выразительность и трагическую глубину.

* * *

Искусство Возрождения, зародившееся в Италии как сочетание гуманистических идей с поиском новых средств и форм в изобразительном искусстве, постепенно распространилось практически на территории всей Европы, в каждом ее регионе получая собственные трактовки и находки. Эта эпоха оказала огромное влияние на формирование мировоззрения и идеалов культуры Нового времени.